草间弥生（Yayoi Kusama）的头衔和称号有很多，“日本国宝级艺术家”、“波点／圆点女王”、“前卫女王”、“精神病艺术家”、“怪婆婆”等等，都是她。出生于日本长野县松本市，毕业于日本长野县松本女子学校的草间，在1957 年移居美国纽约市，并开始展露她的前卫艺术创作，成为纽约前卫艺术的先锋人物，影响力堪与波普艺术领袖安迪· 沃霍尔（Andy Warhol）匹敌。
而精神疾病，却是比这些荣耀的头衔陪伴她更久的东西。
草间弥生的童年乏善可陈，远称不上美好。压抑的家庭氛围，保守的社会环境，对她的艺术爱好毫不支持的母亲，和从小精神衰弱而不断出现的幻觉，让草间弥生在1957 年逃离了家乡，来到了美国。她说，“当时我非常清楚，如果想在艺术上走得更远，必须逃离日本这个封闭的地方。我必须越过家乡这座高山，才能触摸到外面的世界。”
在纽约取得艺术成功的故事早已世人皆知，无需赘述。然而名利双收也并没有让草间弥生摆脱精神疾病的困扰。直到1962 年，草间弥生邂逅了美国近代著名艺术家、雕塑家和实验电影先锋人物约瑟夫·柯内尔。
约瑟夫是一位虔诚的基督徒，他们除了接吻，并没有性的接触。两人一直相伴，直至1972 年柯内尔去世。十年的幸福是奢侈的——爱人的去世给草间弥生以沉重打击，她的精神问题愈发严重。1973 年，柯内尔去世后第二年，她从纽约回到日本，离开艺术家与评论家，逃出媒体视野，独自一人在精神疗养院生活。草间弥生还在疗养院旁买下一栋楼做工作室，“那是我一生最大一笔开销。”白天，她到附近的工作室“上班”，晚上又回到疗养院。她极少外出，也避免会客，不逛商店，不会使用电脑和手机，过着与世隔绝的日子，在助手搀扶下创作至今。
《纽约时报》评价她60 年代以《无限的网》为代表的作品：“她的作品完全排除个人情绪，以一种偏执的重复令人感到迷惑。”（《无限的网》（1959）于2008 年以近600 万美元的拍卖价格成交）
而1979 年的草间弥生，在经历了荣耀与财富，又经历爱人逝去之痛后，已淡化了年轻时无所畏惧的疏离感。本次杜若云章便聚集了这一时期草间弥生的多幅极其珍贵的原作——这些画面似乎多了一些“人情味”。相较于早期抽象的点和线的重复，草间弥生这时期的作品显得平易近人了许多。题材上来说，具象的物体出现在了她的作品中：一朵花也好，一个想象中的国度也好，或是旅途中的风景，皆是艺术家记忆中的片段。从创作手法上来说，这些作品充满了前所未有的“手作”感，个性化的笔触在纸面上变化多端，每一笔都是艺术家个人情感的流露；而纸本水墨这种载体的特殊质感，也让人感到与这位“古怪”的艺术家更加亲近了一些。
1979 年也是草间弥生开始创作版画的一年；本次展览中也将一并呈现草间弥生的系列版画作品。其中最具代表性的，当仁不让便是她的波点南瓜系列。另外还有一件十分难得的艺术家自画像。
对南瓜的这种可谓偏执的迷恋，始于草间的童年记忆。爷爷经营的农场里的南瓜，对幼小的草间弥生来说，就像某种宗教信仰中的神，带给她喜乐和安慰——抚慰人心、让人快乐、几乎带着神性的这颗南瓜，显然已经远远超出了一颗蔬菜的意义。
2009 年6 月底，英国《泰晤士报》公布20 世纪最伟大的200 名艺术家调查结果。毕加索、塞尚名列第一、第二，日本有4 位艺术家上榜：草间弥生、村上隆、杉本博司和野口勇。相比村上隆等人，“怪婆婆”草间弥生比他们提前了整整三四十年。
而杜若云章目前正在举办的村上隆个展，因反响热烈，已计划部分作品延续展出，与草间弥生的作品一同展出，让大家在同一空间感受被称为“日本三剑客”中这两位的不同宣扬与魅力。
“过去我的创作主题多聚焦‘生与死’，现在我更关注的主题是对宇宙神秘性的敬畏，幸福社会、爱与和平的愿望。这里面还包含着对于人类使命、对爱的认识，我经历了一个经过光、爬上楼梯、进入宇宙的过程，我多年来的痛苦和辛苦都在这一刻得到解脱。中文成语‘生老病死’是我喜欢的词，我一直在想自己的生命会以怎样的形式结束，希望上天看我，是完美的人生。”就让我们用草间弥生的这番肺腑之言作为该文的结尾，同时作为本次展览的开始，引导你探索一个不一样的草间弥生。