越界所选择的艺术家，皆尝试着去探索当代绘画的表面与领域，通过在不同语境下的实践，积极挑战传统的框架和途径。艺术家们研究绘画的表面——多层次的叠加或最大程度的缩减，以及它对于定义作品内涵的作用。我们知道绘画颜料是液态的，它可以流动、流淌、滴注，它可以自我追逐、肆意横行，突破画框的界定；随即，它可以转化为水滴、水珠、流线、圆点，以及各式各样出自于艺术目的而呈现的‘随机’的表象；从而它们被留了下来，这些‘残留物’形成了图像，变成了作品不可分割的一部分。因而，本次展览通过对于标记和质询表面概念化的强调，力求在图像和特异性之间的空隙上架起桥梁。
展览进程中所强调的策划途径是将差异与类同汇集在同一个单一空间：一个集体主义的迷宫。在这之中，新的对话开始作为绘画的连贯视觉被定义和分享。如果可能的话，期望被提议的艺术家所持有的态度曾经经历意味重大的变化，从而引发对于当代绘画的典型重建，反映出对于个人经验更加的深思熟虑。这些感知和形态上的细微变化同时会反应在空间层面上：以构图作为一个整体，不同材料、材质所带来的质感差异会与整个展览空间进行互动，引导着观者不仅从单一的视角去观察，而是通过不同的视角对作品以及空间产生感悟。
在展览中视觉作为主体浮现，提议表面和光的主题，成为作品本身的一部分，艺术家和他们的作品给观者设置了一个生理测试，感知器官从而受到强烈的刺激。同时绘画图像并非只为了诉求感官领悟，更多的是对于传统的成型媒介和所提供的阐释的挑战。它也像是一件对视觉洞察力提出质疑的工具，伴随着带有强烈情感色彩的材质，探索着绘画本身所具有的，吸收、或放大个人体验的能力。另外光的显现并非简单地被归结于色彩、本体的缺席、或者自然的一部分，还关乎于空间，例如客体与视觉结构之间的所在。它演示了我们是如何形成“阐释”。
本次展出作品的美存在于旁观者的概念里而不是肉眼中。这是个关于表达的展览，所凭借的问题伴随着对于媒介的探索，并且最终，或者说希望知识的主体可以得以拓展。以此，成为一次对于其自我悬而未决的语态探寻。展览的设计企图由此展开，好似日常现实偶尔会像坠入镜面般的水中的一滴颜料四散开，有时又会凝结成或抽象或具象的形态。
综合艺术作品、其思维出处，以及对于展览的设计与构成的思考，展览为观者提供了诸多途径，让观展时而沉浸其中又时而感受它的虚无，携观者领略其非物质性、干预性、不稳定性、可见和不可见性。在以绘画表面收到特殊关注的同时，它带动活力，我们的眼睛和视觉开始在当代艺术语境下诉说，吟诵着整个充满隐喻、情感关联、和批判意味的篇章。