蜂巢当代艺术中心荣幸地宣布，2015年11月22日将于A展厅推出“蔚蓝之上的聆听：刘可个展”，呈现刘可包括布面、纸本、装置等媒材的近年新作。展览由夏季风策划，将展出至12月21日。

刘可自2012年至今的创作主要以条状的色块来构建画面，不同的颜色的交替使用，垂直排列的色条，色条之间互相渗透，覆盖，叠压，让画面形成一个既有节奏又能保持微妙平衡的空间。面对画布，刘可认为那是“一个只有边界限定而没有纵深限定的整体”，色彩之间层面的构成是一种“力量对阵”，在不同颜色覆盖与重叠的缝隙中，都是对空白层的“计量”，当缝隙被挤压得越小，其承载的“力量”就越大。与此同时，在垂直的色条两端，艺术家有意保留了颜料作为物质的存在感，通过相互叠压产生参差不齐的厚度，成为艺术家创作中释放出来的“力量”的延伸与证据。

刘可作品中呈现出来的“力量”以不同方式为观众所感受，也许是理性而精准的，但同时也可能是直觉和感受式的。以音乐为比喻，刘可这一时期的作品甚至可以让人觉察到管风琴音管表面竖直排列的特征，拥有了由此产生并传递出来的音乐感，带给人聆听管风琴一般的愉悦。

事实上，在刘可以往的创作中，音乐或者说某种似是而非的旋律，自始至终反复出现在他的绘画作品中。这大概就是康定斯基所说的“图案背后的音乐模式”。观看刘可早期的作品，如《抽象一号》（1998年）、“情欲解构系列”（2003年）、“声色系列”（2006-09年）等，我们感受到音乐不同程度的存在，不过更多是相对无序、尚未经过加工的原始旋律：混杂的，狂躁的，嘎然而止的，有的音符甚至是拖了一条多余的尾巴。刘可当时的作品在某个层面上也体现出作为“70后”一代艺术家，难以排斥与抗拒弥漫在八十年代上空那种无所顾忌的戏谑态度的影响。刘可这个阶段的创作是短暂的，艺术上的自觉让他快速地摆脱了一地的嘈杂与喧嚣，重新确立了创作中那道恒定的秩序边界。

早在1911年，康定斯基在《论艺术的精神》一书中说：“一个画家如果不满意于再现（不管是否有艺术性）而渴望表达内心生活的话，他不会不羡慕在今天的艺术里最无物质性的音乐在完成其目的时所具有轻松感。将音乐的方法用于绘画，便产生了对绘画的韵律，数学的抽象的结构，色彩的复调，使色彩运动的现代愿望，现代绘画也就以音乐中找到了它的诸如抽象、象征等现代意义。”刘可的抽象创作找到了音乐，也找到了轻松感，一种“蔚蓝”，它代表一种情绪，是精神以及感官获得享受后的愉悦。在刘可作品面前，我们所要做的，就是纯粹地观看和聆听，打开所有的感官倘佯在那一片蔚蓝之上。