香港—佩斯画廊将精心推出专题群展「Chewing Gum III」，为2015年首次举办「Chewing Gum」展览後该系列的第三辑。与一般的饮食不同，口香糖强调「咀嚼」的感受与品嚐而非结果，是次展览在延续佩斯对於不同时代及地域文化背景下当代艺术家个体创作生态的关注的同时，亦将於并置中创建全新语境，以「咀嚼」这一动作行为隐喻当代全球化对於多元文化差异的消化与品味，从不同艺术家所采用的各类媒材与形式中探讨「物与物」、「人与物」乃至「人与人」之间展示出的文化连结，并通过香港这一特殊环境增添新一层的互文。展览将於5月24日星期五晚间六时至八时向公众开放并持续展出至7月4日。
　　李禹焕，作为20世纪60年代後期先锋艺术组织日本物派的创始人与主要推广者之一，其作品强调空间，感知与物体之间的关系，从对自然的欣赏和他选用材料的内在特质中发展而来。《关系项—扩张》使用由他严格挑选的特定石材，并将其与工业生产的钢板并列。通过这两个元素之间的对话，艺术家将自然产物与人类意识联系起来。这种通过物质特徵有意识对外部空间的探索，可联系至艺术家自身的文化定位—他曾说过，自己既非韩国人也非日本人，与外部世界始终处於一种相互探索的状态。而这件作品所蕴含的抽象表达的力量，正体现出了一种反思，以及同外部世界相互作用的关系。与李禹焕的表现方向正好相反，展览中另外两件出自中国当代艺术代表人物宋冬的作品，《无用之用-9号》与《无用之用-10号》中，艺术家通过使用旧家具、胶合板、瓷砖和旧窗框等日常废弃物，将外部物质世界的遗留转化为自身精神与美学的抒发，标志性地同时具备着诗意与政治性，个人化与全球化，从更高层面对个人经验进行探索，形成了一个内在的语境。
　　相似的内外联系亦能於展览内其他作品中寻到。乔·夏皮罗的雕塑作品通过对简洁长方形块的安排，暗示人体向外探索、保持平衡、以及翩翩起舞的型态，跨越於巨象和抽象之间，蕴含了轻盈的韵律，和对重力的抵抗。在他对物质形式与色彩表达的研究中，夏皮罗的雕塑作品脱离了所置空间本身，展现出向外扩张，探索的可能性。而路易斯·内维尔森设则擅於利用从城市街道收集的物件与丢弃的木块等本身已有历史的外界素材，将分散的日常事物化成规一的整体——她备受推崇的独立式和壁挂式雕塑常被涂成纯色 — 特别是黑色。《交响曲3号》和《无题》是20世纪70年代内维尔森巅峰时期的标志性黑色壁挂式雕塑，通过光影将虚幻的深度赋予她的作品中，展现出了立体感和一种精神特质，鼓励观众从自身经验去体会雕塑内部的空间联系，将外部的客观世界转化为个人的图景。展览中另一位知名雕塑家作品，托尼·史密斯的《一代》则体现艺术家典型的有机与简约，无论是独立还是於对话中皆有强有力的效果。正如史密斯所说：「《一代》是我认为的第一件真正的纪念性表达。我不认为这是个人或主观的，我尽可能地试图让它达到城市化与客观。」
　　蒂姆·艾特尔擅於对日常现实进行去细节化的剥除，使其画作呈现出近乎抽象的简洁性。《对话》和《照片》作为具象的木板油画，展现出艾特尔独特的宁静又引人注目的空间印象。这两件作品凸显了艾特尔对色彩、技巧与形式的掌控，并展示了艺术家对内部空间，记忆以及感知的持续研究。作品的画面旁佛就只是元素之间的构成关系、人物与空间的并置关系、个体与集体即依附又对抗性的共存关系。同样是将日常现实抽象化，欧文·佩恩的摄影作品《七枚金属、 七根骨头，纽约》与《以螺母构造的结构，纽约》，作为佩恩的「考古学」系列的一部分，则是通过对日常事物的加工重组呈现抽象的结构，抹去人为生活的痕迹，赋予这些物质新的美学含义，以及新的内部语境。
　　美国艺术家奇奇·史密斯以其与人类状况和自然世界相关的多领域实践而闻名，自20世纪90年代中期起，她便开始专注於将动物元素融入她的作品中。通过大量不同的外部媒介，例如此次於特殊的尼泊尔纸上用墨水制作的《迸射之蛇II》，和大型玻璃绘画作品《序幕》，史密斯探索了人类与动物形态以及天体与自然所蕴涵的丰富元素，其中衰变、重生和永恒循环是反复出现的主题，同时表现了史密斯在具有截然不同的特性和性质的材料之间自由游动的能力。而被誉为「韩国表演艺术之父」的李健镛，则由内向外，将自己的身体融入艺术创作中，其作品以身体於空间中的不断实验以及艺术品与观众之间的关系来研究艺术的本质及其存在。「绘画方法」是李健镛於1976年首次进行他标志性的身体绘画表演时开始使用的一个术语。他使用丙烯酸涂料记录他的身体动作，在画布上留下他的动作和轨迹的痕迹，而他的早期纸本铅笔作品是他表演的物理留存；以身体为中介，生命内部的体验得以与外部世界相连通。
　　「咀嚼」的概念，在此次展览中以各种媒材来进行实践, 包括装置、绘画、摄影、雕塑等, 同时这个咀嚼的表现是从差异的文化中不断品尝和消化一些东西，使这个展览似一个咀嚼的过程；这是一个在当代语境下正进行过程中的展览。