上海SGA沪申画廊将于2021年7月23日荣幸呈现群展——非浪潮，带来赵大钧、余友涵、申凡、张健君、陈墙、潘微、黄渊青、薛松、李磊、林栋、曲丰国、董大为、李文光以及王一14位艺术家的抽象艺术作品。 如果“浪潮”代表着群体性的行为或者共同意志，那么“非浪潮”则寓意着个体特质以及多样性的存在。这恰恰反映着当代艺术的核心价值之一——开放与包容，无论是关乎人性与世界的智识还是对于艺术本体的探寻。正是在这个主题背景下，本次展览邀请了来自于南北两地(上海和北方区域)、不同世代的艺术家(1930-1990)参与其中。时间和地理线索的设立并非是要将这些创作者定义为某个特定维度下的代表，而是展现经历不同时代和社会语境下的个体关于抽象艺术的差异化表达。 当然，并置在展厅中的作品彼此之间也隐含着内在的关联，比如：创作方式上表现出的行动性，创作观念和作品形式上呈现的理性秩序，单纯的绘画性以及对中国古典美学的本源追溯等。它们既反映着抽象艺术发展至今的一些普遍性特征也代表着个体语境信息在时间和地域背景下的共性表现。也正因此，每位参展艺术家截然不同的作品面貌才更具价值。本次展览的初衷不是展现中国抽象艺术的创作群体，相反地，是以群体的方式呈现每一位个体。 抽象艺术的诞生在历史上伴随着社会思潮和运动，所以只将抽象视作绘画形式是局限的。如果它代表着非现实的视觉，那么抽象并不应只是作为艺术的某种特定形式风格，题材或者门类，因为抽象的真正意义在于代表着不设边界的人类想象。 本次展览将持续至2021年9月15日结束。

艺术家介绍

赵大钧 本次展览中最年长的艺术家赵大钧，虽然很长一段时间都置身于艺术行业之外，但是他一直专注于艺术创作，特别是对于抽象艺术的探索。其实他在上世纪八十年代末期的作品中就已经显现抽象表现的特征。从有形到无形，在艺术创作上的突破和转变更多的来源于艺术家本人长期的实践积累和持续反思。其作品中明亮轻盈的形式感也打破了我们对所谓北方抽象艺术或者鲁迅美术学院油画风格的固有认知。 余友涵 作为中国抽象艺术早期(上世纪80年代)的实践先行者余友涵，本次展览将呈现他早期代表性的“圆”系列创作以及近五年他对这一标志性图形符号进行再次探索的作品。不同时期的“圆”并置于空间中，展现着艺术家形成自身独特的艺术语言与再次突破经验的证明。 申凡 艺术家申凡长期进行纸上创作，他将报纸上的文字用颜料涂抹覆盖，只留下标点，并对覆盖的的部分进行再创作。他将中国的山水内涵与观念性的创作方式相融合。本次展览还将展出一张他日常实验性的作品，以突出他具有观念性的创作过程。 张健君 本次展览选择呈现张健君80年代综合材料的抽象作品。如果将艺术家的一系列介入人类与社会的作品系列形容为“外观”(“人迹”系列等)，那么他早期的抽象创作则带有强烈“物派”式的自省。最为宝贵的是，这些作品的本源并非是对上世纪60年代在日本兴起的物派(Mono-Ha)的模仿，而是来自于对中国古典哲学的感悟与思考，特别是他创作初期的敦煌艺术之行——北魏壁画的临摹学习带给他很多启发。所以张健君从上世纪80年代开始就创作“自然”等抽象系列作品，它们是艺术家的“内观”显影。内外对应如同“呼吸“是属于张健君的创作观。 陈墙 艺术家陈墙在近期的创作中无论是作品的面貌还是创作媒介都有了明显的转向，在大色块的丙烯之上排列着看上去杂乱随意的色粉笔划，理性秩序与感性直觉平行于画面中。相较之前的纸本铅笔水墨系列，又平添了几分潇洒和张力。本次展览展出的是艺术家过去两年的最新创作。 潘微 一直以来，如何在从西方兴起的抽象艺术中展现东方性是中国抽象艺术创作者自然而然面对的问题。东方性不仅作为视觉元素，还包括着东方材料的应用。潘微使用大漆创作了12根彩色立柱式的作品，每根柱子上又附着了许多书法笔迹般的标示，给作品带来了视觉层次。所以这组作品颜色繁多，但并不轻挑，反而散发着时间感。 黄渊青 艺术家黄渊青近几年仿佛成为了“书写”的代言者。毫无疑问，这样的比喻源于自幼研习书法的他将书写的经验转换为抽象艺术创作的方法。但他的作品也绝不仅于此。没有所谓绘画训练的经历使他依靠于自身直觉敏感度和无范式的经验积累。它们带来了创作自由和高纯度的个性表现。这就是为何黄的作品如此具有辨识度的重要原因。近期他的作品呈现了更多有笔触堆叠形成的色块化特征。 薛松 1990年常熟路小剧场的一场大火是艺术家薛松“焚烧”创作的语境起始。历经火的洗礼的印刷纸张被拼贴于画布上，这是属于薛松作品的“底色”，碎片之间的连接处则是他继续创作的空间。在他的作品中往往展现着对立和矛盾，从拼贴碎片原本的内容比照到画面的形式呈现，比如本次展出的作品中，他创造出了水墨晕染的视觉效果，这又与画面上笔直的金线形成对照关系。本次展出的两张作品，其整体面貌也区别于艺术家作品中常常出现的强烈色彩。在只属于艺术家本人的时间维度中，其当下的作品也可以成为自身创作生涯的“非浪潮”。 李磊 花的意象是艺术家李磊抽象表现的形式参照，作品往往呈现出浓烈的颜色对比。而禅宗般的入世哲学也是李磊创作的观念来源之一，从形式到观念的连接是统一而和谐的。近期艺术家也在转向陶瓷媒介的创作与研究。 林栋 另一位来自北方的艺术家林栋近年来也在进行漆艺的当代艺术探索。他使用弹线的方式将大漆附着在铝板之上，并通过大漆的平涂与前者进行对比。画面的分割比例也不是随意而之，而是源于鲁班尺的比例。中国传统的媒介贯穿于艺术家的创作过程，而作品的呈现是极简的。林栋作品的极简与西方色域绘画的区别在于，前者蕴含着强烈的东方精神气息，这种气息不是个人情感式的，而是趋向于宗教化的。相较于韩国的单色画，他的作品中又更具有视觉层次。本次展览将呈现他最新的五联作品，在黑色为主调的画面中内层的颜色若隐若现。它们如同纪念碑般散发着静穆的仪式感。 曲丰国 艺术家曲丰国的创作一直与直尺相伴，一次又一次笔直的涂刷并不是刻意的追求绝对理性，而是在秩序和重复中融入感性认识与直觉，将两者平衡。这个似乎有些形而上的创作特质在画面中你也可瞥见，那颜料的堆叠和流淌，不是创作者计划营造秩序感时的失误，也不是只源于自身的动能，而是依附于工具下的共性表现。曲丰国的作品主题往往与24节气相关，人与自然的相互融入——这恰好也回应着他自身的创作观念的本质。 董大为 “尘归尘，土归土”是来源于《圣经》中的一句话，起点也是终点。艺术家董大为的色粉系列“尘归尘”也表现了相似的特质，色粉笔涂抹形成的色块与过程中散落于地面的粉尘相互回应。每次的展览都是作品的一次开端，而展览的结束代表着这个作品的又一次完结。瞬间和永恒都是我们人类未知而又无法控制的两个极端状态，而我们能做的就是涂抹的过程本身。与“尘归尘”同时展出的还有董大为马克笔系列创作，利用多支马克笔在纸上同时晕染形成几何式的面貌。 李文光 李文光一直进行着圆珠笔纸本的艺术创作，从几何图示开始再到最新的科幻笔记系列。艺术家缓慢而细致地涂写每一条线，无数线的积累形成了几何式的作品显象。特殊材料的属性和创作观念使得艺术家的工作过程仿佛是漫长的自我克制，那些“遗留”在画面上的“缺陷”隐含着艺术家坦诚坚持的拙气，也是他狡猾地制造错觉的证据。有时不完美才是另一种完美。本次展览也邀请艺术家将作品与空间结合，在窗户上呈现新的几何作品。 ­ 王一 与很多年轻人总是急于发出“我就是与众不同!”的口号不同，作为本次展览唯一的90后艺术家，王一的抽象创作是在建立自身艺术语言脉络下的稳步探索。罩染法这一古典绘画技法一直是艺术家创作方法的核心，在颜料与树脂的复合中创造出平滑、融合与通透的作品，带给观者极强的沉浸之感。这种气息从架上作品又延伸到装置作品中。他的装置创作起始于绘画时那些废弃树脂的收集，一层层倾倒与凝固，仿佛是时间的堆叠，所以他的绘画与装置是平行的。年轻的王一探寻着以何种蕴含自我气息的方法创造形式与意味的平衡，在他的眼中，万物皆几何。 关于SGA沪申画廊 SGA沪申画廊自开业至今已举办100余场展览及活动，合作过上百位艺术家，其中不乏已成为中国当代艺术界的领军人物，高度活跃并极具市场潜力的艺术家更是人数众多。往昔展览形式多样，涉及绘画、雕塑、影像、装置、建筑以及声、光、电等领域，大部分学术展览在业内极具影响力。沪申画廊始终与艺术领域相关人士保持着深度紧密的联系和合作，未来有信心一如既往，向外界呈现高水准的学术展览。此外，沪申画廊面向私人藏家和机构提供专业的个性化服务，包括艺术作品的挑选与整体配置、艺术顾问咨询、长远投资以及收藏建议等。 2021年伊始，沪申画廊更名“SGA沪申画廊”，英文代称SGA(Space & Gallery Association)，即空间与画廊联合，成都分部的设立，代表了SGA沪申画廊布局国内外分部工作开启。经营策略方面，除继续举办高质量的学术展览外，发现和培育新的艺术家、帮助其成长也是重点内容之一，此外SGA还将着力于同国内外知名时尚潮流品牌的合作。未来，SGA沪申画廊将成为时尚的前沿、最具代表性的艺术活动荟萃之地，以及关于艺术的交流、交易中心，为公众呈现艺术与时尚相结合的完美诠释，将“艺术”融于日常生活。