站台中国-dRoom空间隆重地宣布，将于2022年1月8日推出艺术家王兴杰个展《夸富宴》，展览将呈现他近年创作的20余件静物绘画。这些作品描绘日常习见的平凡食物，链接着画家的私人回忆。它们是情感的象征，亦是生活的印记，其创作逻辑反映出王兴杰对“绘画与时间”的体认：“不止于艺术和时代的关联，也关乎艺术对私人时间的追溯”。于是，绘画成为记忆的容器，收纳了令他难忘的“味道”，也收纳了他与别人共享的过去时光。

20多年来，王兴杰在绘画创作上不曾得教于师长，而是选择了一条独自探索实践的“自生之路”。在追寻自我的漫长旅程中，他的艺术语言逐渐成熟，呈现出颇具原生性的品格。这种原生性，不是烂漫，不是野逸，而是一种诚恳，它囊括了朴素、果断与真切，接连着“地气”。在这个图像奢靡魅惑的时代，这种品格使其作品成为了另一种另类，对于观众而言，无疑是一种感官上的补偿。

在新年伊始之际，展览对“夸富宴”（potlatch）这一社会学名词进行了幽默化的引用，意在指涉其作为节日欢庆中的特殊仪式，画家本人倾其“财富”，慷慨而精心地为观众呈上一次丰盛美味的宴席。而“夸富宴”本身，是交换的象征，亦是诚心的期冀，为了能够收获更加慷慨的“成功”。

• 寻味: 王兴杰的近作 文/王将

你真的认为她们很美？

当然……

王兴杰最早吸引我的，不是他的静物画，而是一些带有深色背景的女人体。她们在我脑海中留下了难以消弭的印象。为此，我和他讨论了这些形象的“美感”。我指的不单是绘画形式，也是一种世俗目光——对于女性的审美。王兴杰自然明白我的所指，他的回答也很坦诚，肯定了那些画作所表现的是其目光中的身体之美。他充满自信的立场使我不想以任何成见去反驳他的话语。但是，那次关于美的闲谈却时常让人寻味。对我而言，那些作品给予我特异的刺激，画中略微变形的肉体有着既格涩又现实的意味。这种意味脱离我的视觉经验，让（我印象中的）任何现代主义和现实主义形式都显得有点矫饰。在我看来，那些肉体与其个展《夸富宴》中的“食物”存在着心理上的深层联系，后者似乎是前者欲望的投射对象。而它们皆体现了画家个人的审美选择，这关乎于宿命。其绘画趣味上的特殊性，源自他学习艺术的取径。

从上世纪90年代末期开始，王兴杰走上了画家的道路。在那之前，为了继承父业，他当过一段时间的卡车司机，之后又在鲁迅美院短暂地学习了雕塑。关于转向绘画的缘由，他自己坦诚地作了解释：“我开始画画，是为了征服”——征服观众，征服画家同行，征服那些对艺术极有见识之士，从这一原初的动力上看，无法回避其胞兄王兴伟带给他的影响。但这种影响不在于绘画技巧，而在于更深的心理层面。他的脾性，与其画家兄长一样好胜，他的内心充斥着一种波吕尼刻斯式的挑战欲。于是，他充满自信地进入了绘画领域，一画就二十年。而这二十年，则是一段追寻自我的漫长旅程，王兴杰的绘画风格逐渐成熟，其技巧并不得教于师长，而是来自个人的探索实践。他选择了一条“自生之路”，这使他的绘画富有了鲜明的原生性。这种原生性，不是烂漫，不是野逸，而是一种诚恳，它囊括了朴素、果断与真切。他持续地将绘画激情投注于简洁的题材中，围绕人体和静物两种绘画母题推进创作。这种笃定的选择，是技巧的囿限，也是心性的使然。他是那种愿意在某个狭小领域不断深耕的画家，他乐于自审，并且对绘画的可能性充满信心。正如他谈到“静物画”时曾断言：“虽然这只是个小门类，也少有旷世之作。但我相信，静物画在今天仍有存续的价值。它能在咫尺之间展现一个内观的世界，不过需要观众拥有心灵之眼……而我的创作，是在坚守它的价值，也是试图去发现新的意义”。

展览里的静物画，描绘了种种食物，它们并非写生，也不是依据照片所做的摹写，而是源于记忆。王兴杰声称这些作品饱含了他的心绪，其创作动机往往源于味觉记忆所激发的联想。对他而言，每种食物都链接了过去的某个时刻，譬如他与朋友的会面与就餐。分享可口的食物，即是共渡时光的仪式，而与每一种滋味的邂逅，都是心灵需要反复回溯的时刻。王兴杰曾言及“绘画与时间”，其所指并不止于艺术和时代的关联，也包含了艺术对私人时间的追溯。因而他将自己的作品视为记忆的容器，画面收纳了难忘的“味道”，也收纳了其与他人共享的时光——食物，与之相关的记忆，成为他在绘画创作中回忆往昔的绝佳方式，而这一主题正好回应了吕斯·贾尔（Luce Giard）的观点：“通过饮食，人们能够留下了真正的时间记号、生理的时间记号、心理的时间记号、家庭的时间记号以及社会的时间记号。”[1] 所以，王兴杰笔下的食物，不单是一种情感的象征，也是许多生活故事的印记。

而关于静物画本身，他也有个人化的理解：“多数描绘静物的作品都是风情画，而不是真正意义上的静物画”。在他眼里，静物画不只是一种主题，还是一种品格，它应当自持而清高。诱惑——刻意向观众展露风姿的表现——则是一种绘画的“色情”。他试图在创作中拒斥这种“色情”，无论是笔触、色彩，还是形体，都应该展现诚实与自信。因此，他的画作更像实实在在的白话，话语之中，没有矫饰的修辞，没有模仿来的语气，却有着一种特殊的口音。这种口音甚至成为了画作的显著特质。这使他的作品摆脱了过去绘画的美学取向，也驱赶了现代艺术的幽灵，那里面没有塞尚，没有梵高，没有勃拉克，也没有莫兰迪，而只有一种不断发展的原生风格。不难看出，王兴杰的作品显露着一种天赋，他善于巧妙地配置纯色，使它们富有活力又不失和谐，同时他对物像的体量感有着明锐的直觉，能够以俭约的光影调子塑造出丰满敦厚的形体，这些都凝聚成自然朴实的艺术气质。

王兴杰对经典趣味有意回避，不仅表现在他的画风上，也表现在他对内容的选择上。他笔下的食物，鱼肉蔬果，搭配起油盐酱醋。海胆、咸鱼、大肠，摆上了台面，皆是地道的东北口味。他描绘身边之物，确实在情理之中，但也引出了“入画”与否的眩惑——什么题材适合油画的表达？艺术的历史为我们提供了一些惯例。而那种油画题材所需要的入画感，根本上是西方艺术几百年来形成的总体情调，但却在“他者”的目光中变为了种种节制可能性的范式。然而，全球化并不企图清除掉多元的地域趣味。处在一个与西方不甚相同的社会文化场域里，中国当代画家取用自己的日常所见，一些土里土气、格格不入的事物必然违逆于那种全球化的“洋气”。而这种违逆，并不一定有失品格，它反而能够创造视觉上的陌生感，甚至可以作为中国当代绘画的图像策略之一，成为一种趋势，成为一种立场，更成为一种力量，即便有时会略显机巧与刻意。这无疑是一种艺术政治学，似乎回应了那个遥迢的业已成为历史的油画本土化之主张。不过，王兴杰在这一方面并不激进，其画作甚至与观众对“当代”的一般理解大相径庭。因为当代艺术的标准、主张、策略，都不是他所关心的问题。他只是自然而然地去描绘目之所见与心中所念， “入画”与否，不是他的创作目的，不会给他带来选择焦虑，更无法成为他的审美桎梏。对他而言，画风与题材，源自直觉与自省，风格趣味则是水到渠成。而这一贯的觉知，仿佛禅宗所说的 “明心见性，直指本心”。[2]

因此，王兴杰的作品，受到颇多同行的认可。我们不难理解这种吸引力，多数画家的创作，得于娴熟，却失之诚恳。而他的绘画语言，在经历了20多年的锤炼后，仍然持守着最原初的真诚品格，并且使简洁的主题具有了一定辨识度的面貌，这是一种个人成就，对观众来说，这也是一种感官补偿，在这个图像奢靡魅惑的时代，它的恳切，反到使其成为了另一种另类，为心浮气躁的我们提供了朴素而平实的趣味——诚然，对于这样的作品，语言不能诉尽其魅力。文本和它们的关系，如同“以手指月，而指非明月”, [3]文字也许只是冗余的形式，只有当观众亲临展览，与这些画作真正会面，才能体味到画家分享的一切。

2021年12月27日 北京

[1]吕斯·贾尔等著：《日常生活实践2》，冷碧莹译，南京大学出版社，2014，247页 [2]参见《六祖坛经》 [3]参见《楞严经》

关于艺术家

王兴杰，1971年生于沈阳，27岁时开始艺术创作，曾于鲁迅美术学院研习雕塑。他在绘画上不曾得教于师长，而是选择了一条独自探索实践的“自生之路”。20多年来，他的绘画主题一直围绕着物与身体而展开，逐渐形成了个人化的创作逻辑和艺术趣味。其近年个展包括：夸富宴（站台中国 北京 2022）、没想太多（鹿与空间 沈阳 2021）、深呼吸（兰空间 北京 2019）、花不花四十七八（墨方 北京 2018）、静物（Mo Projects, 北京 2016）、原色（01100001画廊 北京 2013）、有意（高地画廊 北京 2010），重要群展包括：寻常之物（站台中国 北京 2018）、绘画的尴尬（亚洲当代艺术空间 北京 2017）、无定之形（应空间 北京 2016）、人生路（01100001画廊 北京 2014）、快！这就是绘画（天线空间 上海 2013）、 具体（尤伦斯当代艺术中心 北京 2012）、再绘画（站台中国 北京 2012）、小报告（艺术文件仓库 北京 2000）等。

关于策展人

王将，一位活跃的当代艺术策划人、创作者与写作者。从2016年至今，他已策划70余场机构展览与独立项目，梳理了众多不同代际和类型的艺术实践，其跨度从无名画会中的个案到新世代的潮流。他的近期研究兴趣集中在艺术社会学与神话学。在常规策划工作之外，他是一位拓展策展语法边界的冒险者，并建立出一种新范型。

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