武汉美术馆“静谧的凝视：意大利当代雕塑艺术展”将展出8位具有较大国际影响力的意大利当代雕塑家的33件雕塑作品。

展览旨在表达对中西方共同审美价值的珍视和推扬，同时武汉美术馆作为国家重点美术馆，一直秉承着开放精神，突出艺术多样化、交流国际性，以跨国的优秀展览推进城市的文艺建设。

无焦点的凝视

——解读意大利当代雕塑艺术展

文／陈勇劲（武汉美术馆馆长）

还是最近几年在欧洲的几本艺术杂志和网络上，看到一些艺术机构对阿隆德梅茨、威利维吉纳、格哈德德梅茨、马西米利亚诺佩莱蒂的雕塑作品的推介，以及有关威尼斯双年展的零星报道，给我留下不多的印象。直观地接触是2018年年底在浙江美术馆，布鲁诺瓦尔波特的个人展览上，我对来自意大利的令人着迷的具象木雕作品有了深刻的感知。起初，那些碎片化的浏览并没有给我将他们联系在一起的理由，当不久前浙江美术馆馆长应金飞先生，把此次参展的八位艺术家的资料传给我时，我首次将前面的信息进行整合，才了解了他们在空间和时间上的关联，以及如何在雕塑这条艺术之路上努力坚持走到今天、走向成功，并得到当今西方艺术界的认可和观众的喜爱。

这些逼真的作品大多以普通人作为创作对象，在冷漠、忧郁的表情下让人感受到只有在教堂中才会觉察的距离感，穿行于木质、石材或金属等材质的雕塑间，会被已经超越了材料和技术之外的情绪和精神力量感动。赫尔曼约瑟夫伦加迪刻意强调仪式感的作品，将视线引向对人和家庭的思考；威利威基勒学习过绘画，从早期抽象作品回到具象雕塑的创作行为，让他在环境主题上的作品具备了更宽的传播性；布鲁诺瓦尔波特熟练驾驭的雕塑语言，准确表达了人物心灵深处的情感和情绪的流露；沃尔特莫洛德将他认为的美，谨慎地集中到以女性为主的形象塑造上，优雅、脆弱并置在静穆的躯体里；彼得德梅茨的雕塑被安置在场景中，对设计情节的讲述再造了现场感；马西米里安诺佩莱蒂刻意突出材料质感的古典雕刻，充满了对历史的敬意；阿隆德梅茨对木质雕刻表面不同物理状态的强调，与作品流露出的气质有效融合；格哈德德梅茨在图像再造与重构中表现出的，对文化冲突的自我讲述，显得神圣而高贵。

显然，在他们有关“人”的作品中很难发现如容马克（Ron Mueck）、马克奎恩（Marc Quinn）那样巨大的，超出人们的观看经验数倍的雕塑，多数是以真人大小的尺寸制作；同时，也能注意到不同的人物作品的眼睛看向的多是不确定的前方，并以此传递出艺术家们复杂、多样的内心世界。我们希望通过这些作品读取更多的信息，但语言的表述无法替代与其面对面的共处，只在无焦点的凝视间，体会直指人心的情感流动，以及引人驻足的雕刻技术。

那么以上共性的存在源自何处？几位艺术家又为何不约而同地在雕刻方式上表现出圣像般的仪式感。以木雕作为标志的意大利北部格勒登山谷，是该地区基督教雕像的主要产地，将近三百年的木工历史造就了许多家族工坊，依托旅游和日用品的加工，以及来自教堂的订单，他们以精致的传统手艺得以生存、繁衍。随着从作坊中陆续出现的、带着改变现状的理想的年轻人走出山谷，主动接受学院教育，形成各自的艺术风格，完成从工匠到艺术家的身份转换；既执着于内心对传统手艺割舍不下，又期望融入当代艺术语境，刻意找寻雕刻的当代面貌。然而，现实中他们始终在面对来自外部的质疑，和生于内心的挣扎。他们中的一部分人在结束学习后回到了山谷，继续雕刻创作；还有的人在欧美和亚洲等地从事个人艺术项目。但八位艺术家听从内心的指引，带着格勒登的印记，坚韧地将这种称之为情怀的传承，与看似当代的、风格各异的、实验性的创造结合起来，赢得了尊重和成功。这些保留了深厚传统技术的雕塑，并非西方当代艺术语境的主流，但艺术家们从开始走出传统到确定各自的思考方向，再到创造性地回归传统，以及将传统与当代表现手法有效结合，从而形成独具特点的作品，并因此获得成功，都经历了一段丰富、曲折的内心转换过程。

当人们惊叹于艺术家们用精湛的雕塑语言，赋予了各种天然材料以情感和思想时，又在作品之外读到虔诚、坚韧、改变、勤勉、缜密的品质，似乎在提示我们，如何再次理解国内近几年常提到的“工匠精神”。对于一贯推崇写实传统的中国艺术界，在传承与创新的实践中，这些来自西方的艺术家的经历和他们的作品，具有借鉴和对话的现实意义。

此次巡展将于这个春天抵达武汉美术馆。