前 言

文 / 俞可

简·罗伯森在《当代艺术的主题》中提到，“当代艺术是一个拓展中的艺术世界，它在不断变化，旧有的等级和分类正在断裂，新的技术提供了诸多方式来定义生产和展示视觉艺术。”回顾艺术史，当代艺术从现代艺术形式主义的局限中生长起来，而后不断地延展自身的范畴以致无垠，使今天的艺术看起来似乎已经达到了在各个方面无所不包的境地，也解构了古典艺术创作类型划分的边界。逐渐消失的形式边界，拉开了艺术在审美上“去中心化”的序幕，不过真正加速这一进程的，却是今天媒介化社会的逐步成型，信息已经不再依赖实体，而进入一种数字化的状态。由此，媒体对信息的处理分类，逐步呈现出定制化、小型化，而非过去那种大规模的标准化、中心化的特征。当信息海啸打破从中心到边缘扩散的大众传播的模式，进入多中心离散状态时，过去那些深植于人们脑海中“知识”也在随波涌动。

当艺术这艘忒休斯之船行驶至今，又将被新的内容更新之际，在美术馆这个相对稳定与有限的空间里，艺术家和观众之间那条“自我设置的边线”是什么呢？带着这样的叩问，展览“无垠的边缘”试图从一个展览个案出发，来探讨美术馆、艺术创作与观众感知的边界问题。这其中包含着每个角色对自身的审视，以及面对一个越来越难被定义的现实语境时的选择，但也是值得各方共同探讨的问题。每个人或者群体的认知都有自身围绕的“中心”，也由此延伸出对身份、阶层、文化、族群的想象与识别，进而形成了区隔的边界。作为“中心”的反义词，“边缘”常常包含着打破身份的固定类属，能够以一种平等、开放和包容的观点看待不同的特征，也是最为松泛之处。正如简·罗伯森在书中所描述的那样，艺术与当代文化相遇以后，其越来越扩展的边界和不断变化的形态，尽管在观看感受上显得不那么熟悉亲切，但它包罗万象的姿态却具有足够的开放性，逐渐突破各个学科的藩篱，将它们都纳入到艺术的范畴来重装上阵，并且成为公共空间艺术叙事的新内容。今天，对艺术的讨论由生产进一步扩展到传播和公众接受领域时，当代艺术除了在自我塑造中引入对话，还需要用新的方法论去探索艺术创作与美术馆在地性，以及与观众之间建立起的文化联系。

在这里，我们不希望展览拘泥于艺术的传统范畴，而是要具备自我拓展的动能。今天这样一个相互交融的时空中，不同文化并置并存，艺术也不再是一个具有确切边界的概念。“无垠的边缘”或许是一篇寓言，希望它能预示出美术馆从一个固定的空间范围跨越出更多的内容与价值。通过展览，一方面引发对创作固有边界的怀疑，激发艺术家用创作与公众产生更多的交流，以及对社会生活不同的想象。另一方面，美术馆不再把一栋建筑当成自身的标志，而是尽量强调出从极少主义延绵到大地艺术再到公共艺术中一以贯之的公共性，关注作品与环境的关系，塑造自己开放的姿态。就如在博伊斯社会雕塑的观念下，行为、身体以及媒介的多重互动成为新的艺术内容，并突破了展览的边界。期许在这些努力下，悦来美术馆能伴随展览、作品的不断更新进一步趋向“无限”。