马凌画廊荣誉呈现赵容翊(1934-2023)于过去五年创作的抽象画作。作为韩国抽象艺术发展的领军人物，赵容翊自2016年马凌画廊香港空间个展之后创作了一系列缤纷艳丽的绘画作品，持续探索艺术的身体性及精神性维度，总结了其自1960年代以来不断深入拓展的艺术实践。

赵容翊的新近画作继续体现了他标志性的刮制画法——以手指、干画刷或刮刀拭去画面表层，以揭示底层丰富色彩——并自由地在“浪”和“竹”系列之间摇摆，以重新检视不同系列之间的结构性联系和语意关联。新作的绘画过程及塑造矩阵过程如前作一般坚实而通透，而色彩却愈发生动、富有活力：艺术家在耄耋之年大量使用前所未见的饱满靛蓝色、水蓝色、深红色、蓝绿色和橄榄绿色，在大胆且富有穿透性的白色印记与艳丽表面层次之间构建鲜明的对比关系。

诸如猩红的《17-1013》(2017)或桃红的《19-414》(2019)一般的大尺幅作品突出地体现了赵容翊这一创作时期的特点，在画作表面展露有机的开口，以及蜿蜒的运动弧线。画作表面的深邃渐变肌理同样赞颂了沉思、生命力及自然形式的意义。《19-323》(2019)及《17-624》(2022)等更为冷静的画作则见证了艺术家对自然形态及严格受控转变过程之间的动态关系的旨趣：稍显拉伸的画面本身与艺术家仔细编排的笔触相呼应，扭曲了抽象现实推动、吸收观者目光的轨迹。

在《2019-1024》(2019)、《2018-17》(2018)及《2019-19-21》(2022)等以高丽纸为媒材创作的作品中，赵容翊的笔触变得分裂、黏稠而蜿蜒，既拥抱了特殊纸张的原本肌理，又以崭新的方式挖掘了纸张的绘画潜能。《22-0903》(2022)等在2022年的新作展示了更深入的以画代书倾向，揭示了赵容翊在六十余年时间内塑造的艺术体系的其中一个核心：由书写行动本身所构成的叙事意义。

(关于赵容翊)

韩国艺术家赵容翊强调绘制过程的精细绘画作品以系统性极强的印记揭示画面底层的对比色彩;富有韵律且灵动的笔触;以及在画面边缘的细腻絮掠。在首尔大学毕业后，赵容翊于1960年代中期声名鹊起，开创了以鲜艳抽象构图为基础的艺术生涯，并在1970年代与韩国单色画运动产生联系。赵容翊通过催发深邃的色彩变幻与单色画运动的其他艺术家保持一定距离，同时也保持了对自然、充满能量的物质性的关注。他曾在韩国及世界各地广泛举办展览，曾参加多个大型双年展，包括巴黎双年展(1961、1969)以及圣保罗双年展(1967)等。他的作品已被世界各地多个美术馆收藏，包括：M+，香港;国立现当代艺术博物馆，首尔;首尔艺术博物馆;三星美术馆，首尔;及光州美术馆，光州等。