山上艺术空间十分荣幸地宣布，将于2024年8月24日至2024年10月27日期间举办以“身体”为主题的展览「神殿Temple」，届时将展出亚伦·约翰逊、艾莉森·卡茨、阿斯加/加布里埃尔、比利·查尔迪斯、恩佐·库奇等共17位艺术家的作品。

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展览「神殿Temple」

前言

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身体是人的神殿。这是村上春树，在《1Q84》里的妙喻。藉由身体，人才有了神格，世界80亿神明，得以降临在茫茫大地上，经历喜怒哀乐、得意、迷惘、纠缠、分离、屈服、抗争，最终随身体衰朽陨落，同归于寂。「人生如逆旅，我亦是行人。」此刻80亿人类如此，也曾有数百亿人类来过，更将有无数人类来临，如此反复，直到文明的尽头。

在漫长的艺术史中，身体是绘画恒久的主题之一。起初，艺术家痴迷于表现真实、美与感情，直到近代，人们才发现，「神殿」受世俗规训，大同小异，而「神明」却千差万别。一丝不苟的人，可能默默崩溃。满面春风的人，正在苦痛哀嚎。表象的世界，早已经与精神背离。

福柯曾论述过，身体从来不是一个单一的生物学实体，它总是被嵌入权力和社会结构中。艺术家也发现了这一点，他们锐利的笔锋，划破规训的线条，不再照相机式复制人物，而是直接描摹「神明」的种种形态。这次展出的十七位艺术家，作品都以身体为主题，却通过各种方式，展示了身体作为「神殿」的复杂性，在权力、命运和情感的交织中，人真实的状态。

此次展览，是人类精神状态的镜子，或许我们可以照见自我，也或许能启发思考人类生态，万物皆有回声。因为社会规训，装在衣服里的神殿，与世浮沉，而80亿受困的神明，渴望自由。

”

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关于艺术家

ABOUT ARTISTS

亚伦·约翰逊、艾莉森·卡茨、阿斯加/加布里埃尔、比利·查尔迪斯、恩佐·库奇、加米安·尤利亚诺-维拉尼、延斯·梵歌、约什·史密斯、路易斯·弗拉蒂诺、路易莎·加利亚尔迪、路德维克·恩科斯、米里亚姆·卡恩、保罗·萨尔瓦多、圣地亚哥·得·保利、斯坦尼斯拉娃·科瓦奇科娃、塔拉‧马达尼、樫木知子

亚伦·约翰逊（Aaron Johnson）

1975年出生，美国艺术家，现生活和工作于布鲁克林。

2005年拥有纽约亨特学院的MFA。

亚伦·约翰逊的绘画中振动着空灵的人物，溶解在无形色彩、多汁的亮度和容光焕发的模糊中。他流畅的绘画方法植根于色场绘画的传统，在地板上用彩色水洗来染色原始画布，允许自发性和不可预测性来驱动构图。允许油漆自由流动，这个过程与宇宙和自然力量的想法以及万物的相互联系关联在一起。

他的作品被纽约现代艺术博物馆、洛杉矶魏斯曼基金会、马德里的Coleccion Solo等永久收藏；也被列入现代艺术博物馆、Mass MoCA和哈德逊谷当代艺术中心的博物馆展览中。他的作品在许多出版物上都得到了评论，包括《纽约时报》、《赫芬顿邮报》、《乡村之声》、《艺术新闻》、《艺术论坛》和《Vice》。

艾莉森·卡茨（Allison Katz）

1980年出生于加拿大蒙特利尔，现生活和工作于伦敦。

2002年，于康考迪亚大学获得艺术学士学位。

2008年，于哥伦比亚大学获得艺术硕士学位。

艾丽森·卡茨的作品反思了当代艺术创作中盘根错节、有时自相矛盾的本质。她将交流的模糊性容纳其中，用戏谑幽默而又刨根问底的手法拓宽了传统意义上的艺术家“标志”。卡茨的作品在若隐若现、半遮半掩的诗意空间中运作，指引着观众去注意绘画表面和绘画主体所构成的多层次意识中。

阿斯加/加布里埃尔（Asgar/Gabriel）

阿斯加和加布里埃尔1975年出生于德黑兰和维也纳，学习艺术和哲学。

Asgar/Gabrie指的是他们的艺术小组，他们自2005年以来一直合作，共同创作。

Asgar/Gabriel的绘画质疑我们对规范的看法和概念。处于物理解体边缘的模糊人物和引人注目的清晰描绘的风景。这些作品将观察者带入一个充满参考和新解释的艺术历史迷宫，将画廊变成一个由其各种时间线、情绪和美学宇宙交织在一起的中间空间。

比利·查尔迪斯（Billy Childish）

生于1959年，英国艺术家、作家、音乐家，在英国肯特郡生活和工作。

1977年就读于肯特郡梅德韦设计学院，1978年就读于伦敦圣马丁艺术学院。

他的作品以表现主义绘画而闻名，被伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆收藏。其作品风格类似于爱德华·蒙克和彼得·多依格。1999年，查尔迪斯与查尔斯·汤姆森（Charles Thomson）共同创立了 “Stuckism ”艺术运动，该运动提倡使用现代主义绘画理想和个人表达，而不是后现代主义的玩世不恭。虽然查尔迪斯避免了观念主义的陷阱，但他回归具象和表现性绘画的做法让人联想到那些通过讽刺和挖苦来批判与世隔绝的艺术世界的艺术家，包括迈克·凯利和道格拉斯·戈登。

恩佐·库奇（Enzo Cucchi）

生于1949年，意大利艺术家，在罗马和安科纳生活和工作。

恩佐·库奇是20世纪80年代意大利新表现主义 “Transavanguardia ”运动的核心人物。他的大型油画作品以简洁、近乎原始的形象为特点，色彩鲜艳、戏剧性强，曾被《纽约时报》誉为 “像魔术师的魔杖一样挥动画笔的艺术家”。

他既是一位作家，也是一位自学成才的艺术家，他经常将自己的作品与自己创作的诗句一起展出。同时，他的作品也曾在世界各地的著名机构展出，包括纽约现代艺术博物馆、伦敦泰特美术馆和芝加哥艺术学院。

加米安·尤利亚诺-维拉尼（Jamian Juliano-Villani）

1987年出生于新泽西州纽瓦克市，目前在纽约生活和工作。

尤利亚诺-维拉尼对消费文化和社会禁忌的痴迷助长了她不羁的艺术风格，从而产生了一种扭曲的海市蜃楼般的图标。她将这一策略与对具象绘画历史的认识相结合，创作的图像来自于个人的书籍、杂志和照片档案，以及网上资料。她使用丙烯酸、喷漆和油画技术，将自己的写作片段和丹麦画家兼雕塑家奥瓦尔塔奇（1894-1985年）等其他艺术家的作品元素融入其中。加米安·尤利亚诺-维拉尼的作品还参考了漫画，通过其调皮诙谐和令人不安的模糊性来解决种族、性和社会方面的陈规陋习。

延斯·梵歌（JENS FANGE）

1965年出生，瑞典艺术家。

延斯·梵歌的超现实主义作品融合了不同绘画流派的元素，创造出拼贴画般的结构。他的作品在瑞典本土和国际上的画廊和博物馆广泛展出，并于2017年被任命为瑞典皇家美术学院成员。在他的画作中，梵歌利用不合逻辑的门洞、走廊以及平面色块和图案的排列，精心打造出梦幻般的建筑空间，形成不断变化的视角，让人联想到乔治·德·基里科的形而上学画布。梵歌的作品融合了重叠的布料层、乙烯基、画中画、剪纸脸谱和人物，是不同绘画风格的材料组合。他从肖像画、风景画、静物画和几何抽象画等流派中汲取灵感，创造出像俄罗斯娃娃一样展开的综合场景。

约什·史密斯（Josh Smith）

生于1976年，美国艺术家。

约什·史密斯最初接受的是版画训练，他的作品以极富表现力的具象和抽象绘画而闻名，这些作品在品味的界限上进行着挑逗。2000年代初，史密斯凭借描绘自己名字的咄咄逼人的画作崭露头角；这些字母在符号和抽象形式之间摇摆不定。从那时起，他开始创作粗糙的单色画、色彩斑斓的概念性 “调色板画”，以及描绘鱼、树叶、篮球网、死神、骷髅和昆虫的近乎迷幻的作品。他的许多画作都融入了以前作品的数字图像，然后他又对这些图像进行了详尽的再创作。史密斯在世界各地举办过展览，他的作品被蓬皮杜艺术中心、现代美术馆、现代艺术博物馆和惠特尼美国艺术博物馆等机构收藏。在拍卖会上，史密斯的画作曾卖出六位数的高价。这位艺术家还担任过绘图员、雕塑家和版画家。

路易斯·弗拉蒂诺（Louis Fratino）

生于1993年，美国艺术家。

毕业于马里兰艺术学院，曾获得富布赖特绘画研究奖学金和耶鲁大学诺福克绘画奖学金。他的作品曾在哥伦布艺术博物馆和罗德岛大学RISD博物馆等机构展出。

路易斯·弗拉蒂诺在他描绘大都市同性恋生活的亲密感性画作中，综合了自己的经历、记忆和幻想。在他著名的男性裸体画、纠缠在一起的身体场景以及地铁乘客窥视自己倒影的图片中，弗拉蒂诺将当代题材与艺术史参照相结合。他的画作唤起了立体主义和野兽派的信条，经常采用巴勃罗·毕加索、费尔南·莱热和亨利·马蒂斯等20世纪早期现代艺术家的风格和色调。除了肖像画和群景画，弗拉蒂诺还创作静物画和室内画。

路易莎·加利亚尔迪（Louisa Gagliardi）

生于1989年，瑞士艺术家。目前生活、工作与瑞士苏黎世。

她拥有平面设计专业背景，曾就读于荷兰阿姆斯特丹G.R皇家艺术学院和瑞士洛桑艺术学院。

路易莎·加利亚尔迪从绘画规范中自由汲取灵感，重新思考人物与地面、平面与深度等问题。她的画作最初是以流动的数字图像形式创作的，印在乙烯基上，然后用凝胶介质进行干预，这种介质赋予画作一种质感，可以被解读为绘画痕迹的幽灵印记。她的风景和人物在立体和半透明之间起舞，在神秘和平庸之间架起了一座桥梁。

路德维克·恩科斯（Ludovic Nkoth）

1994年出生于喀麦隆，13岁时移居美国，目前在纽约生活和工作。拥有南卡罗来纳大学艺术学士学位和纽约亨特学院艺术硕士学位，并在纽约、伦敦、洛杉矶等地举办过展览。

路德维克·恩科特以厚重的浮雕手法描绘的黑人肖像反映了散居生活和历史的情感轨迹：在他的画布上，一张脸可以变成一幅由明显的粉色、黄色、蓝色和棕色区域以及流动的斜线组成的地图。这位出生于喀麦隆、常驻纽约的艺术家从自己作为黑人移民到美国的经历中汲取灵感。他将对家族历史、传统和殖民主义遗产的反思融入自己的创作中。

米里亚姆·卡恩（Miriam Cahn）

1949年出生于瑞士巴塞尔，瑞士艺术家。曾就读于巴塞尔造型艺术学校。

卡恩曾荣获凯特-科尔维茨奖（Käthe Kollwitz Prize）和高斯拉尔-凯瑟林奖（Goslarer Kaiserring）等奖项。她的作品曾在伯尔尼艺术博物馆、现代艺术博物馆和杜塞尔多夫博物馆等著名机构展出。

她的绘画作品以探讨女权主义、濒危儿童以及女性仪式等主题而闻名。她的作品与新表现主义运动有关，同时受到70、80年代女性主义的影响。她的色彩时常是明亮的，成为情感的颜色，她的画布深处，或是从她的笔触、石墨中，显现了那些被埋藏的「秘密」及「禁色」。她的作品同时勾勒出个体自身的欲望，以及身体承载的暴力。

保罗·萨尔瓦多（Paolo Salvador）

生于1990年，秘鲁艺术家，于2019年在伦敦斯莱德美术学院获得艺术硕士学位。

保罗·萨尔瓦多在其寓言式的具象绘画中探讨了家和归属感的主题。他的创作与材料有着密切的关系。这些材料如何从一种状态变为另一种状态，如何通过触觉和微小的互动唤起人们的感觉和情感。他利用神话意象来表达个人叙事，思考自己流离失所的经历，并借鉴古代图腾来创作色彩斑斓、如梦如幻的作品。萨尔瓦多在秘鲁长大，在他的画作中融入了与秘鲁有关的动物和以药用和致幻特性著称的本地植物，以宣示当地传统和文化历史在当代生活中的存在。

圣地亚哥·得·保利（Santiago de Paoli）

1978年出生于阿根廷布宜诺斯艾利斯，现生活工作于纽约。

圣地亚哥·得·保利将月亮、星星、家居用品和生殖器等日常可观察到的元素融入他的绘画中，在对图像进行讨论的特定领域进行创作。这种简洁的图像构建方式与他的绘画所使用的不同寻常的辅助材料形成了鲜明对比，他在绘画中探索了光线和色彩等基本绘画概念。他对美学形式的经济运用和个人选择将他的作品联系在一起，并带有一种破坏性的幽默感和孩童般的天真。

斯坦尼斯拉娃·科瓦奇科娃（Stanislava Kovalcikova）

1988年出生于布拉迪斯拉发，斯洛伐克艺术家，现居纽约布鲁克林。毕业于布拉迪斯拉发美术与设计学院，主修绘画。曾在柏林艺术大学深造，师从著名艺术家。

她的作品以其细腻的笔触和梦幻般的色彩著称，以其独特的超现实主义风格而闻名。她善于通过细节的描绘和场景的营造，表达复杂的情感和内心世界。她的画作中充满了象征性的元素，如梦境中的花朵、漂浮的光影和抽象的图案，试图揭示潜意识中的秘密和内心深处的情感。

她的创作灵感来自于个人的梦境、童年记忆和生活中的细微观察。通过这些作品，她希望观众能够沉浸在一个充满幻想和现实交织的世界中，体验人类内心的复杂性和丰富性。

塔拉‧马达尼（Tala Madani）

1981年出生于伊朗德黑兰，15岁时移居美国俄勒冈州西部。

2004年毕业于俄勒冈州立大学，获得文学学士学位，2006年毕业于耶鲁大学，获得文学硕士学位。

塔拉·马达尼的作品充满挑衅，通常以粉彩色的卡通画与定格动画的形式来描绘一群在阴暗空间内从事虚拟色情仪式的男人。由此，她颠覆了性别角色，重塑性别身份并将心理上的不安形象化。她的作品玩弄而乖张，不受拘束地描绘没来由的欲望和人体原始形式。

樫木知子（Tomoko Kashiki）

1982年出生于京都。

于京都市立艺术大学美术研究科取得硕士、博士学位。其作品被新旧艺术博物馆（塔斯马尼亚，澳大利亚）、昆士兰美术馆&昆士兰现代艺术画廊（布里斯班，澳大利亚）、Toyota Art Collection为首的多家公、私立机构所收藏。

樫木知子的绘画时常将人物形象碎片化。碎片化的人物被画被安排于房间、院子等局限性空间里，将渗透出来的人的存在感封存于绘画表面。正如画家所言，她编织光景，等它们发酵，在画布上画了又消去，对比创作中的画面和脑海中的意象，反复对画面中的形象和人物的表情做出微妙的调整，来创造多层次的画面。日常光景随着画面的行进逐渐变容，最终成为那如白日梦境般生动形象的绘画。