当我们观看张洪立的作品时，常会有一个惊讶和一个困惑摆在我们面前：惊讶的是如此整齐的线条、特殊的画面效果是如何制成呢？困惑的是这位艺术家在整整齐齐的颜色线条中到底想要表现什么？如果说作品只是他表现的结果，他想要的表现的内容都在创作的过程中，你是否会又一次感到惊讶呢？如果表现的都在过程中，那该如何去参与、了解作画过程进而理解他的抽象艺术呢？
　　在抽象绘画创作之前，张洪立是位具象的艺术家。随着日积月累的创作，艺术家越发觉得具体的形象束缚着创作的自由。为此，艺术家暂停创作进入自省阶段，涉猎东方的儒、释、道的一些着作，重新思考关于艺术、创作的种种命题。
　　两年之后，艺术家重新拿起画笔，去除形象，把原本隐隐出现作品中的块状色块拉长，开始纯粹抽象性绘画的探索与创作。横向纵向整齐而重复的色条开始成为作品中最具辨识度的特征，一直延续至今。在对色条的重复中，艺术家每一刻有着不同的情绪与思索、感触与体验。这过程、时间、情感被注入色条，使作品成为精神灵魂的鲜活之物，同时，艺术家也得到心灵的净化。自此，艺术对艺术家来说，变得越来越私人，创作的过程就是和自己不断对话与修正的过程，同时外部世界也通过个体为中介渗透与折射进作品内部。从平涂线条到立体线条，在随后的系列艺术家进一步探索颜料在被无限次的混和与融合后所能达到的程度。颜料在被刮刀接触到画面之前，已经思考成型，画面中颜料凸起与凹陷的关系，让线条产生变异，呈现推进，挤压关系，并使时间与空间的抽象概念物质化。这一系列，艺术家让颜料成为颜料自身，呈现颜料千变万化的美。
　　新系列《反-正》，艺术家从注重对时间的表现转移到对空间的探索，并创造了更多形态的可能。这系列的每件作品都是光与空间的对话。平面的作品，存在着两个空间，一个是平日我们所看到的空间，一个是光影的空间。一个实在，一个虚空。两个空间同时显示在作品上，成为视觉上具体的存在。艺术家通过光传达空间的平面感，而通过平面的创作表达空间，这逻辑上的实（虚）与视觉上的虚（实）之间的互转的关系是艺术家创作的焦点。艺术家将未曾被我们关注的空间，具体地呈现于画面上。
　　艺术家摆脱形体的束缚后，在创作中呈现出更大的自由度与艺术的开放性，融进他对东方哲学的体会，呈现给观者更多精神思考的空间。作为修行的艺术，已经完完全全融入艺术家的生命里，艺术家通过自身的绘画实践消除了艺术与生活的界限。此次个展，他将这极具个人化的创作呈现于我们面前，启发着我们对生命、对艺术、对时间、对空间、对物质等更多面向的思考。