美术史梳理，国际化视野，目不暇接的永乐春拍现当代名单

永乐春拍现当代艺术板块此次从美术史角度和国际视野上着眼，双管齐下打造了一场春拍盛宴。翻看图录，标的从早期西画前辈再至中国当代艺术发展历程中最重要的名字多有呈现;除此之外，艺坛70、80后中生代力量的续接与国际大咖代表作的惊艳亮相，基本勾勒出本场永乐现当代专场的特点：作品选件精，收藏面向广。 我们不妨就沿着时间线索来一同跨越时空，从西画前辈开始巡礼，让这些重要的艺术杰作带我们共同回顾当代艺术史上那些闪闪发光的名字、在中国当代艺术发展进程中那些绕不过去的标杆，当然还有曾经新锐但如今早已独当一面的70，80后艺术家们。 中国二十世纪及经典艺术夜场

颜文樑是中国第一批留欧学习西画的中国艺术家，也是中国现代艺术发展的先驱。他对西方古典写实油画有深入的研究，特别是西方绘画中光和色的应用，更把西方绘画中光线处理融入中国艺术的意境中，作出重大突破。 颜文樑把印象派中的精髓，即色与光的追求、笔触的表现抽取出来，融会在他致力研究的写实绘画中。颜氏注重风景中内蕴的表现，注重特殊光色氛围下富有诗的意境的追求。《山林清溪》中以近乎工笔的细腻笔触表现溪流旁边的树木，树干、树枝、树叶，丛草，石块，画得非常细致，却没有琐碎的感觉。《山林清溪》同时实现了颜氏主张布局要恰当，「画中景物之间，联系紧凑而有力，不可浮脱，空而无根」的理论。

徐悲鸿在新加坡从1939年1月一直住到了1942年1月沦陷前夕，不仅是新加坡，画家还到过印度、缅甸和马来半岛，从徐悲鸿的油画创作来看，其在南洋创作的油画人物肖像，无论在整体数量上还是在精品数量上都占据了极为重要的地位。20年代中期的徐悲鸿首先正是通过绘制油画肖像的具体方式在南洋打开了局面，奠定了自己的地位的。 画中的老夫人为新加坡“神农药房”的创办人，这幅作品一直由林氏后人作为徐悲鸿与先辈友情的见证而珍藏至今。徐悲鸿笔下的女性是对女性生活的现实性表达，画中的老人坐于西式阳台之内，背后白色的栏杆与茂盛的棕榈树为画面增添了丝丝南洋风情。前景人物身着中式对襟上衣，衣衫上白花蓝底图案的朴素与低调正如老夫人沉稳且宁静的气质。其以淡然的姿态端坐于中式背椅之上，沉稳的中式家具与白色瓷杯不仅与背景中的西式元素形成碰撞与对比，更为画面增添了一丝生活气息。

相对于给关良带来盛誉的彩墨戏曲题材作品，他的油画长期以来被有意无意地忽视了。关良最为人所知的便是水墨戏剧人物画，早期的油画作品流传较少。画中女子为关良妻子顾卓英，1929年的《文华》创刊号选择刊登了此幅关良的油画作品《少女》。关良的油画题材以风景为最多，描绘人物者少见。

本幅《宝莲灯》1957年已由人民美术出版社出版的《林风眠》画辑收录，这是年谱中记载的第一本林风眠个人画册，仅收录了十二幅代表作，其中《宝莲灯》是迄今现身拍场的唯一一幅。 此幅画作于1957年，这一阶段是林风眠的艺术创作盛期，作品大多具有前卫实验色彩，由于历史原因，很多这一时期的作品都被毁掉，没有保存下来，此作简约而又丰富，雅致静穆而又充满力量，是林风眠在五十年代的风格转型期的一件代表性作品。

《层林尽染》是林风眠艺术晚期的代表性作品。他将西方绘画中的定点透视法与中国传统山水画中的散点透视法结合起来，打造出全新的空间格局，并引入印象派对于光线和色彩折射的观点，使水墨与色彩和谐交融，在装饰性的浓郁色调中渲染出悠然清寂的东方意境。 林风眠极少照搬自然，仅在收集素材时才作如实描写，以达研究和理解之目的。他在《抒情、传神及其它》一文中表示：“我是凭收集的资料，凭记忆和技术经验去作画的，是“搜尽奇峰打草稿”后的凝练之作。

1965年之后赵无极跳脱以粗犷为主的笔触线条，《24.10.68》具体地代表了他于艺术概念与形式表现上的再次革新，《24.10.68》在深褐色的色调中带有浅金色与橄榄绿的色层变化，油彩稀释后的喷溅、流动与沉淀形塑出了时间的流逝与轨迹，有如山水景致的铺陈与光线的交错，成为艺术家对于大自然整体面貌的感知与呈现，如他在《赵无极自白》中描述对于传统山水画的看法：“但我却想起中国古代的画家，他们用感情深入自然，并不是茫然而无力地入其外壳，而是其中精力穿透它，把握它。”

《10.01.91》是赵无极在70年代探讨“空间”的重要杰作。作为1999年少有的参与了北京、广州、上海三站赵无极六十周年艺术回顾展的作品，《10.01.91》更是被选为该回顾展画册的封面之作，法兰西共和国前总统雅克·希拉克称其作品：个中真谛，视之无尽，直通梦想王国和玄妙幻境。

吴大羽先生是中国现代绘画的先驱，也是中国早期抽象画的拓荒者，他与林风眠、徐悲鸿、刘海粟等大师具有同等重要的地位，同时又具有其特殊性：在第一代油画家中，他是唯一一位从事抽象油画创作的，具有开创意义。《花韵-9》是吴大羽先生晚年抽象绘画的代表作。吴大羽晚年作品多为抽象、半抽象之作，色彩浓郁绚丽，对比鲜明，形色交融间自显东方艺术之韵致。 屈曲虬龙 吴冠中抽象水墨画成熟期稀有大尺幅 《松魂》

《松魂》大约为八十年代后期的作品，吴冠中创作水墨画始于七十年代，创作高潮却是在八十年代以后，其作品更注重发挥笔墨的功用，色彩变成了相对次要的角色，造型也逐渐摆脱了具象的束缚。在《松魂》中，吴冠中不再遵循写实的原则，也不再热衷于表现松树在旧式文人眼光中的冷傲孤寂的性格，而是试图诠释出松树的另一种神貌。整幅画不落窠臼，造型独特，堪称吴冠中抽象水墨画成熟期的代表作。 吴冠中90年代抽象水墨画最高成就巨作：《苏醒》

90年代以后是吴冠中的水墨画创作的高峰期，他实现了艺术生涯中最重要的突破，“形式上走向抽象，精神上走向崇高”，他的作品从半抽象走向完全的抽象，极大地发挥了笔墨的优势，以及西方现代艺术中点、线、面的结构，用丰富的色点、块面和纵横交错的线条构成极具形式感的画面。《苏醒》正是这个时期的代表作。 王怀庆《永字八法》  拆分与重组 传统语义下的空间建构

王怀庆作品中看似对家具、木材及建筑不断的拆分与重组，实际上折射出其用以当代的目光对传统文化进行分解与重塑，从而形成具有个人符号性的创作理念，抒发出“基于感性的理性精神”。他通过解构与建构的方式，画面中色调的强烈对比、聚合与松散、无规则与有序等视觉语言，无不展现出其对于绘画中具象与抽象、传统与当代、东方与西方的自我探索。 王怀庆以油画的形式来表现中国传统水墨画的特质，黑白为主的色调具有强烈的节奏感及视觉冲击力，简洁的造型象征着丰富的寓意，试图在东方造型的写意及西方抽象的形式之间取得平衡，凝结成全新的意象语言。 国际视野 全球化的当代艺术夜场 相比二十世纪和经典艺术专场，这一专场永乐所甄选的艺术家名单可以说都是当代艺术在中国兴起，发展一路走到现在的亲历者与见证者，所选艺术家的也都是最具标志性的代表作，如张晓刚早期珍贵的《大家庭》系列，西南当代艺术领军人物毛旭辉80年代初的《红色人体》、曾梵志两张时间跨度10年的转捩代表《面具》系列、《乱笔》系列。 周春芽本场有两张不同时期的难得一见的作品出现，一张是他将西方现代主义手法与中国传统题材巧妙地结合起来，兼具中式韵味和西式前卫的《太湖石》，另外一张是艺术家继“绿狗”之后最广为藏家喜爱的“桃花”系列，与滥觞于西南龙泉山的桃花不同，此次这件《瘦西湖春色》是别样的桃花灼灼。

60后艺术标杆：各家面貌竞争妍

王音的创作很特别，他的作品不“美”，甚至让人困惑，作品是对他眼中客观真实的主观记录，他作品中的语言是朴素平实的，理解他绘画的关键是一种莫可名状的“气息”，对于创作王音曾说：“我的创作是经验性的。”他的作品是用静默表达速朽的现实。

刘炜始终被公认为中国当代艺术领域最富有“才情”的画家之一。创作于2008年的《风景》描绘了生机勃勃的亭院一角，画家通过细腻的笔触迭加，在精妙的色彩搭配和明暗对比中形成了极为丰富的画面层次与空间感，刘炜成功地将其“私人风景发挥到一个前所未有的空旷境界”。

人们有多爱童话，就有多爱刘野的绘画。刘野作品的美学风格温柔，静谧中透着可爱，他把叙事从作品中抽离，却出人意表地保留了强烈的故事氛围。刘野独特的童趣语汇在中国当代艺术家中独树一帜，其中的复杂关系及内心表象皆隐藏在看似简洁的画面中，难以言明的心理状态正是他最为人称道的艺术魅力所在。

岳敏君的大笑在中国的当代艺术史上如同安迪沃霍尔的康宝罐头一样为人熟知，艺术评论家栗宪庭先生说岳敏君是“肤浅偶像的制作者”，岳敏君曾表示他有一个野心，就是要让所有人只要看到笑就能想到他，也只能想到他。

刘小东对画笔下的人的描绘，可以说已是炉火纯青了，他用画笔接近生活，还原市井人生，笔下的人就是他身边的朋友，亲人。这不仅仅是他对周遭观察和感悟的方式，更来自于他独特的绘画语言的消解性，使现实在他笔下如同冰遇到火一般融解。评论家汪民安说：“如果后世的人们要从绘画中去了解20世纪末期的中国人的生活状态的话，他的作品毫无疑问是最重要的窗口。”

张恩利很看重打破绘画题材的局限性，所以他画皮管，画水槽，画铁丝，他希望对于绘画的认识能够使他画得简单，直观，他从不认为自己的绘画史观念的，相反他一直觉得绘画是充满人性的，是和生活非常紧密的关系。张恩利要说的东西在画的背后，他不想告诉别人什么答案，他用质朴而又华丽的形式赋予日常最平凡的事物以不平凡的意义。 当代水墨与现代文明的碰撞 徐冰曾说，艺术重要的不是它像不像艺术，而是看它能否为人们提示了一种看事情的新角度。这件作品看似是语言及文化的冲突，但事实上真正的要说的事情并非只是文化交流、沟通、东西合璧这等问题。徐冰真正的兴趣是通过作品向人们提示一种新的，思考的角度，对人的固有思维方式有所改变。

徐累的重要贡献是将中国传统工笔画转变为国际范围认同的当代艺术类型，在现代性如何诠释传统美学的学术方向上，他以个人谨密的观念和典雅的风格，创造了一个充满神秘幻想的境界，徐累在文人画的图像中增加了虚无、疏离、迷宫和荒诞感的现代经验的表现，并且将这些现代性的空间经验吸收为一种文人画的风格化形式。

“坏孩子”赫斯特 与 “魔法师” 安尼施•卡普尔

与早年那些惊世骇俗的作品相比，“蝴蝶绘画”系列显得更为唯美而温和，但其对“生与死”这一永恒主题的深刻思索却从未中断。在“蝴蝶绘画”的创作上，达明安·赫斯特用上色彩相近的蝴蝶，构成错综复杂的图案，在这幅圆形蝴蝶绘画中，艺术家延续了90年代以来的“蝴蝶”元素，蝴蝶作为独立个体的符号意义被消解，被画面统一为一个整体，他认为这个特殊的符号选择是对生命的庆祝，因为蝴蝶象征着生命的循环、成长和变化。

《无题》的镜面作品是卡普尔经典的“镜面”系列，好似一件室内版本的《天空之镜》，卡普尔说“在镜子中你所看到的这个世界都是颠倒的，方位是上下相反的，它也意味着一种‘虚无与空洞’，卡普尔参与了许多重要的国际展览，如卡塞尔文献展、威尼斯双年展等，1991年便获得英国当代艺术最高奖——特纳奖，2009年成为第一个在英国皇家艺术学院举办个展的在世艺术家。 独当一面的70、80后 这一板块中永乐所筛选出的艺术家名单可以说是目前中国当代艺术板块中最受瞩目，艺术生涯发展仍在稳步上升期的艺术家。 贾蔼力在鲁迅美术学院期间，以家乡丹东鸭绿江边为背景，向英国诗人艾略特的诗作《荒原》致敬的《无名日2》。段建宇将琐碎的生活片段与细节连结、重组再重新诠释，以超现实的绘画手法演绎生活中荒诞与趣味的叙事性绘画《施耐贝尔：庸俗的中国风景1》。 还有同为70后艺术家的黄宇兴与屠宏涛两张同样表现风景题材，但画面语言大相径庭的作品。《流沙》充分体现出黄宇兴所擅长的运用色彩制造出的视觉冲击力，艺术家说荧光色是这个时代特有的颜色，在传统的架上绘画里面，是没有这个色彩体系的。它有一种特别的意味，像是一种被浓缩或是激发出来的那种生命力，它是我需要的颜色，也是我需要的那种感受。 《雪林(双联作)》首次出现于2007年索卡艺术中心《交织》展览的现场，这次展览是屠宏涛在中国的第一个个展，也足以说明《雪林(双联作)》在艺术家个人创作生涯的重要位置。2019年屠宏涛被顶级画廊厉为阁代理，并在去年于伦敦举办个展“一波三折”，可以说是当下最炙手可热的艺术家之一。

毫不夸张地说，陈飞和陈可是同代艺术家里的翘楚，也是经过当代艺术市场泡沫蒸发后依旧屹立在潮头的两位艺术家，他们的作品在一级市场可谓一画难求。 陈飞作品细腻，常以讽刺和淡淡的黑色幽默创作，略微扭曲反常的元素与细腻精美的画工形成鲜明对比。《失踪 》是艺术家的自画像，典型的略佝偻的后背，凸起的腹部，赤裸的出现，是这位“宅男”对自己的调侃。

陈可是中国七零后卡通一代的代表人物，其创作以充满真实和虚幻的冲突揭示出当代社会隐藏的情感，她也一直以自传体的方式叙述着她关注自我感受与内心的绘画主题。2012年陈可偶然看到了弗里达的影集，于是弗里达便成为了陈可找到的知音，也开启了她的新系列创作，自此她走出小的自我，创作中也更多的采用收集资料的方式为作品进行前期的研究工作，这种方式使她更放松和自由，创作的主题也变得开阔了。