近日来，关于“沉浸式展览”与“网红展”的讨论不绝于耳。有肯定的，也有不屑一顾的。但不可否认，目前在各大美术馆中流行起一股“沉浸式展览”与“网红展”的热潮，就在这个暑假，上海几大民营美术馆的展览都跟这个热潮有关，甚至成为网红的打卡之地。那么，我们该如何看待这种展览现象，在这股“沉浸式展览”与“网红展”热潮背后，又折射出美术馆与观众一种怎样的关系呢？
关于什么是“沉浸式展览”目前学界并没有确切的定义。我曾在一篇发表过的文中指出，“沉浸式展览”与“沉浸式体验”有密切的关系，而“沉浸式体验”来源于沉浸理论。这个理论是由芝加哥大学心理学教授米哈里·齐克森米哈里（Mihaly Csikszentmihalyi）首先提出，以后逐步得到完善的认知心理学理论。米哈里通过调查发现，人们在聚精会神地做一件事情时，会由于全神贯注而忘记了自身的存在，会感觉做事时间快、效率高，由此把这些感受称之为“沉浸式体验”。此后，该理论经过不断的修正和扩展，已被应用于语言教学、电影、话剧、艺术展览中。观众在观展的过程中不再是被动地去观展，而是成为作品的一个组成部分，这就是所谓的“沉浸式体验”，通过“沉浸式体验”打破了艺术家和观众的距离。
关于“沉浸式展览”，我认为最有代表性的应该是兰登国际的《雨屋》和日本Teamlab的《花舞森林与未来游乐园》。《雨屋》曾经两次在上海余德耀美术馆展出，艺术家使用科技作为艺术创作的语言，以参与及互动的方式引发观众对人类行为和自然现象的思考。高科技的艺术作品加上狂热的观展体验曾经引起热潮，构成了一个艺术事件。Teamlab的作品也是如此，他们利用新媒体技术与观者产生互动，形成极具想象力的浸入式观展体验。在佩斯北京画廊展出的作品中，他们利用实时运算的技术呈现一年四季的鲜花，而虚拟的花海会根据观看者的互动行为不断随之绽放或凋谢。将光线、声音、视频、数字序列和虚拟现实等共同融入一个科技化的梦幻仙境之中。其随后在深圳推出的艺术餐厅，更是艺术介入生活、生活就是艺术的直接宣言。并且这两个艺术家团体有一个共同点，就是创作的团体中既有艺术家，也有科学家、工程师、编程人员等。与纯粹为吸引观众眼球的ppt展或者粗制滥造的沉浸式展览相比，这两个展览是艺术与科技的结合，在结合的过程中艺术得以被拓宽。
如果说“沉浸式展览”尚有理论可寻，那么“网红展”就纯粹是一种流行的称谓了。“网红展”可以与网红有关，也可以无关，也有把参观人数众多的展览称为“网红展”。在上海外滩美术馆，我曾与艺术家林天苗交谈：是否介意目前正在展出的“体·统”展览被媒体称为“网红展”？在这个展览中，《我的花园》这件以玻璃为材料创作的大型互动作品吸引了众多的观众。林天苗回答说：“我觉得挺好的，这说明大家喜欢。无所谓什么叫法，可以吸引艺术家、大众来参与就是最好的。我希望观众来参与，展览不应该仅仅是存在于高高在上艺术圈内的活动。”林天苗的这个回答也反映了一部分艺术家对于“网红展”的看法，让观众到美术馆参观体验、感受作品是最重要的，至于是不是“网红展”，那就无所谓了。
在我看来，“沉浸式展览”也好，“网红展”也罢，背后其实更多的是反映了美术馆的发展方向与观众的关系。美术馆一方面要通过有趣的展览吸引观众，因为观众的参观量已经成为美术馆考核的一个重要指标，这对于美术馆来说压力是巨大的。对于民营的美术馆来说，巨大的观众参观量意味着门票的高收入，从某种程度上可以减轻美术馆运营的压力。上海之所以最近两年各民营美术馆都在争先恐后地做“沉浸式展览”或“网红展”，与观众的诉求和观展热情也有一定的关系。从某种程度上来说，上海的美术馆是被观众推着走的。但反过来讲，观众既然愿意花钱看展览，而美术馆就不能只是推出纯粹娱乐化的“网红展”来迎合观众，美术馆毕竟是教育机构，具有提升观众审美的责任和义务。一味追求摆pose、刷照片的“网红展”是不会流行长久的，观众对此的新鲜感一过，缺乏理论支撑的展览也就像是一阵风一样，热闹一阵罢了。
