美国的视觉艺术深深地陷于矛盾与冲突之中：自信的革新与对深厚传统的依赖、民主的平民论者同精英阶层或宗教主义者、社会统一与阶级分化、地区主义与国际主义、抵抗商品化与根深蒂固的商业贸易、表达失意无力可又首肯个人和国家的实力、加强或反对现存的社会组织和权利关系、玩世不恭和效忠最高理想等等，这些矛盾感和冲突构建了这个国家的历史和自身形象。
2战前，美国的艺术寻求在世界上的身份认同，早期的对老的贵族传统的认同以及自我认同和对未知未来的认同。绘画中主要表现原住民以及对老贵族生活的描绘。在自由与平等的权利之争中逐渐突显出艺术与财富的联系，财富的不平等造成懂艺术的只有贵族。随后出现了新古典主义，艺术家开始热中于对英雄领袖华盛顿的描绘，皮尔是第一个画华盛顿的艺术家。政府也宣传艺术作为自由、民主的社会形象。
在国家主义的倾向中，艺术家更多地表现平民的生活，比尔史伯特开始用大幅风景画表现辽阔美丽的疆土，在他的画面上突出表现了用光的特别，如《萨拉.内华达》。这一时期的美国，艺术落后于欧洲、经济上超过欧洲。艺术家开始担心过度的模仿欧洲会失去自己的民族性，不安全感、没有地位，美国绘画与欧洲绘画太像了！他们不想仅仅受到欧洲文化的影响，在受到亚洲文化的影响后开始反思美国自己的东西。美国艺术不断寻求自己的艺术身份，希望在国际上获得认同，找到自己的艺术语境。个人也利用财富逐渐充实艺术界，其间萨金特功不可没。在整个20世纪中画商在推动艺术发展中的作用毋庸质疑。
艺术和商业的张力也不可避免，作为张力的结果，商业艺术有了不可知论。那些窥视城市的人把娱乐作为出发点，反对大众文化，反对城市的腐败，垃圾箱画派应运而生。
抽象表现主义诞生使美国艺术与立体派划清界限，延伸了现代主义的历史。对哲学问题的追问；对技术上的控制、物质和非物质的；情感上的冲突——稳定不稳定、希望与绝望；关注人类的情感——个人在历史悲剧面前的无助。1930-1940称为美国的历史创伤期。
大众性图像文化的泛滥启迪了波普艺术。安迪.沃霍尔更愿去除作为艺术家的身份，称自己的工作室为工厂。他利用新闻图片，商业广告把大众文化作为主题进行探究，模糊了广告和艺术的界限。他利用印刷技术进行大量复制，减少个人的痕迹，使艺术更趋于表面化。他的作品就是肤浅的，他在开玩笑吗？那些幽默和反讽比高端文化更能深入人心！向广告的世界文化致敬！向大众文化致敬！向高端艺术挑战！1940年生活在地狱，现在他们开工了！面对大众文化，利用？投降？战斗？所有有效的策略把广告纳入艺术语境，成就了波普艺术也成就了美国艺术。
20世纪的晚期不安全感已经消失，美国艺术走到当代的程度。反战，争取权利关注同性恋，探讨公众和私人空间，文化的差异性，身份究竟怎么产生？探讨各种艺术家的身份认同问题成为艺术文化的主流。你可以用很多方式去看待：焦虑的自由，将个人的存在的合理化，偏执的城市的恐慌，城市的生活经验，自由的艺术表达……也许，身份认同不再是一个问题了。
时至今日，美国艺术不乏热情的追随者、践行者和批评者，他们有着对艺术的充沛精力、美好憧憬和远大胸怀。拥有幻想并追求真理的美国人民是多样化且易产生摩擦的，决心保护市场和大多数人利益的以捍卫自由民主的国家理想的政治制度为首要目的的行政体系，以及仍在发展的资本主义经济，所有这些构成了美国艺术的品质与成就，那些贯穿始终的冲突与悖论。这些都向美国艺术家提出了极大挑战，同时成为他们灵感的来源。（99艺术网北京站：单春玲整理）
