拍卖|北京华艺国际秋拍：现当代艺术五大专场，呈现多维度经典艺术作品

在今年的北京春拍季中，华艺国际以16.29亿元的总成绩圆满收官，共诞生28件过千万的拍品，刷新12项重要拍卖纪录，斩获3个白手套专场，也让华艺国际成为内地春拍市场上的一枚耀眼的明星。

在仔细分析其近乎完美的数据表现之后，我们也会发现，在疫情的影响和整体经济形势趋向紧缩的大社会背景之下，华艺国际逆势而上的增长态势却并非是出于偶然或运气，而更多地是基于在“严谨的学术标准”和“准确的市场预判”前提下的一种必然结果。而在即将开始的2021年秋拍中，华艺国际在保持着自身“学术化”和“系统性”优势的同时，也在现当代艺术版块中延展出更多的视角与维度，以及更加丰富且多元化的拍品呈现。本次华艺国际现当代艺术部分，共推出5大版块：

首先，在春拍中成功挺进“两亿元俱乐部”的基础之上，华艺国际再度于2021北京秋拍的“现当代夜场”中策划“常玉作品专题”，并精选7件极为精彩特别之作；首次提出“70后+ ”的概念，将范围扩大至国际视野内，且包含70、80后乃至初露头角的90后艺术家群体；在“方寸无限——20世纪名家小幅精品专场”中，以精致的小尺幅大师臻品构建起高品质学术系统和收藏趣味；在“理性的先声——八〇年代作品专场”中，推出1980年代的早期经典艺术作品，回溯中国当代艺术的发轫时代；在“现当代日场”呈献60余位中西方艺术家佳作百余件。

以下就让我们跟随99拍卖的脚步，去感受在即将举槌的秋拍中，华艺国际所带来的多维度版块与经典拍品吧。

常玉作品专题

荟萃罕见臻品点亮夜场

从华艺国际（北京）首拍的“常玉巴黎概念──王济远珍藏册页专场”，刷新常玉纸本作品拍卖纪录后，2020年秋拍《红底黄菊》创常玉作品内地市场最高价，到2021春拍常玉《群马》以2.07亿创下常玉动物题材作品最高价，跻身艺术家成交第三。“常玉作品专题”已经成为了华艺国际每季拍卖的一大看点。北京华艺国际2021秋拍再度策划常玉作品专题，精选7件极为精彩特别之作——创作于镜面和木制托盘的油画花卉佳作，2件纸本水墨水彩经典盆花主题作品，2件曼妙的纸本水墨碳笔女子画像，以及1件寓意极为美好的《新年百福》手书。

纵观常玉一生的创作，花卉静物主题横跨四十年，一直是他十分钟爱的题材。本季秋拍隆重呈献常玉两幅殊为动人的花卉油画，尤为珍稀之处，是两幅作品皆创作于十分特别的媒介——《红底瓶菊》创作于玻璃镜面，《盆中牡丹》绘于欧式木质托盘。在随手可拾的日常材质上作画，可能是生活清贫的无奈之举，同时亦是常玉自由创作精神的体现，将日常工艺品改造成为具有私人趣味的艺术品，比普通画在画布或木板上更有一番玩味。独出机杼的作品让我们得以窥见常玉即兴的天真与洒脱，是“翩翩公子”浪漫而智慧的精神表达，更是东方意境在西方语境下的精彩诠释。

《红底瓶菊》在一个欧式的装裱下，背面则隐藏着一幅颇具“中国趣味”的玻璃画，这是当时广东地区特有的反笔玻璃画，大部分作为工艺品外销至欧美。画面上由寿桃、如意、石榴、花卉一起组成一幅传统的吉祥图式，喜庆洋溢。常玉别出心裁在这幅玻璃画的正面描绘了一幅同样寓意美好的画面：大红的热烈、花开的喜悦、地毯的吉祥图纹似乎表达着落英成金的希翼，生动盎然，“琉”光溢彩。

《盆中牡丹》则巧妙借助了托盘本身的雕花图案，替代了艺术家常用的“剔刮”手法。由于雕花图案为凹形，颜料在挥发干燥过程中渗出的油性粘合剂会在凹形区域聚集，老化后呈现的黄化更为明显，所以现在的视觉效果呈现为褐色，托盘边缘区域还可见到艺术家创作中飞溅的颜料，充满现场创作的生动即兴。吴冠中曾这样形容“我觉得常玉自己就是盆景，巴黎花圃里的东方盆景。”这幅绘于欧式托盘中的《盆中牡丹》似乎是这句话的最好写照。

《青花盆与菊》是一幅让人不禁驻足流连的作品。深邃的蓝色背景仿如月光下澈，映衬着前景灿然盛放、如星空流萤的白菊，呈现出一种东方沉静的意境。常玉幼年熟练书法，惯以“书写”抒意心中情怀，自成“法度”的线条用笔是他绘画的灵魂，也是用来支撑花朵的支架，力透锦菊的瓣脉。

常玉的素描造型夸张，但画面风格简约高雅，在20世纪20年代的巴黎，很快获得了众人的追捧。他的风格受到野兽派和表现主义的影响，但完全不同于马蒂斯硬朗的线条，常玉使用东方的毛笔勾勒出的线条简约流动、富有节奏，寥寥几笔便勾勒出人物的婀娜多姿，他喜爱刻意缩小人物头部，将重点置于其饱满的身体，两幅素描作品均为艺术家在大茅屋学画时期所作，画中女性穿着时髦，仍可窥见美好时代的巴黎风尚。

现当代艺术夜场

其他作品臻选

“70后+ ”

新概念扩容青年力量

作为当下最活跃的艺术力量，70后艺术家们正逐渐成为当代艺术领域闪耀的繁星。这批青年艺术家也一直是华艺国际关注的版块，继2021春拍推出“70后当代艺术”专场并获得白手套成交佳绩，在今年的秋拍中，北京华艺国际再度甄选补充，首次提出“70后+”概念，并将范围扩大至国际视野内，包含70、80后乃至初露头角的90后艺术家。希望在提供一份充满活力的收藏名单的同时，也为全球当代艺术的书写搭建一条明晰的学术线索。

纵观“70后+ ”艺术家，无论是中国还是欧美及日韩艺术家，他们都拥有更加开阔的文化背景和艺术视野，能够更自如地挖掘一切新兴的艺术手段运用到自己的创作中。无论是绘画技法还是媒介运用，“70后+ ”艺术家们的艺术创作都更为多元与灵活，他们的艺术表达也展露着更为强烈的个体意识及文化差异。

刘韡是中国70后艺术家中较早受到国际艺术领域关注的艺术家之一，“紫气”系列是他2006 年开始进行的创作，也是艺术家相当受欢迎的系列。“紫气”源自中国古代对于祥瑞之气的别称，作品意在讨论绘画的可能性基础上，对城市景观进行再创造。本次参展的《紫气》创作于2007年，表现的正是艺术家用鼠标创作的计算机图像置换北京都市环境的朦胧意像。他通过数码化的线条、抽象几何的建筑结构，以及丰富而前卫的色彩，展现了别样的当代都市美学，勾勒出一幅五光十色的后工业化社会图景。

欧阳春用不同时间段的众多系列创作构建了清晰的“个人艺术史”，其中“钻石”系列是欧阳春在市场上颇受欢迎的系列之一，本次参展的《钻石二》是欧阳春少有的、纯粹地以“钻石”为母题的创作。作品以并不完全对称的双联幅组成，以暗红色竖纹笔笔相叠的方式铺满整个背景，并通过油画材料在布上形成纹理在左半福形成从上而下、在右半幅形成从下而上的趋势感，对比之下两联间似乎正在相斥地流动着。区别于以往作品中浓烈厚重的肌理和疾驰的笔法，艺术家用细腻的笔触，抽象的线条，将钻石表面丰富多变的几何美感绽现，在充满张力的红色背景对比下，更加映衬出钻石的光芒，也体现了他作品中少有的冷静与精炼。

宋琨是70后女性艺术家中颇受关注的一位，同王光乐、仇晓飞、温凌、徐华翎等同为N12艺术团体成员。她在作品中即展现了东方“万物有灵”的传统和宗教思想，又结合了赛博格、动漫等新元素。将绘画、装置、影像、声音等多种媒介的作品融合，虚拟了一个多维度、超现实的“净界”。在这件《地藏六使者-大力使者》中，宋琨将佛教中的大力使者转换为玩偶，用平涂的手法和模糊的背景使人物仿佛沉浸在虚幻又现实的梦境中，将传统形象转换为泛文化现象的表达，既魔幻又深刻，且有极强的年轻群体广泛接受度。

黄宇兴是当下国内和国际市场都颇受追逐的一位中国70后艺术家，在近两年的拍卖市场上稳定、不断地刷新着个人成交记录。本次拍卖将通过多件黄宇兴不同时期的作品来展示其创作脉络：奇幻、五彩缤纷、电光十色的《河流》是艺术家抽象风景系列中的一件非常典型的代表作，创作于2000年初的《游戏的结束》与《救命草》，具有抽象表现主义笔触的亦充满超现实主义的视觉隐喻与哲思，是早期创作中非常独树一帜两件作品。

陈可是当年“卡通一代”艺术家群体中的一位佼佼者，也是至今依然在不断突破自身的一位女性艺术家。在她的作品中始终都带着强烈的情景化、叙事性及淡淡的深入人心的忧伤。本次展出的《HAPPY吗？》创作于2008年，陈可在作品中加入了少年时代的珍爱旧物，是艺术家的自我投射，也是对逝去童年的追忆与缅怀，表达了自己的情绪，也把对周围年轻人的观察都放置其中。

陈飞是一位非常早便在二级市场受到认可的80后艺术家，近年同国际画廊合作逐渐进入国际市场。毕业于北京电影学院的陈飞通常以身边的现实场景为表现物件，以接近平面图像营造出最具张力的视觉效果，旨在探讨生死、暴力、两性等人生命题。《还在画画？》是陈飞2005年毕业后创作的作品，作品中除了艺术家一以贯之让人忍俊不禁的冷幽默之后，也饱含艺术家对自身身份和绘画的思考。

高瑀的卡通作品中总是带着黑色幽默，通过戏谑的方式重新演绎经典和人们心里的既定形象，展现了现代新新人类对历史形象的解构和调侃。在2000年初的绘画作品《抛头颅，洒热血》中，同样采用平涂的手法，在干净利落的画面中展露不羁的黑色幽默，是新新人类对历史形象的解构和调侃。运笔寥寥却极为传神，展露年轻气盛少年热血的同时，充满设计感的大片留白，也充满着“无声胜有声”的意味。

袁远并非写实主义，也不情愿受限于古典形式美的局限，他的绘画主题多为建筑物室内，有些是曾经辉煌、点缀着新古典风格的拱门及露台的大厅，有些是较为平实的老房子的入口及走廊。取景来自现实的中国风景，揉合不同的想像元素，创造为他个人的设计风格。袁远笔下的景观总带有一种被遗弃、濒临拆迁之感，透露点滴昔日的光辉。《高度机密》以不厌其烦的笔触与细密纹路，制造出了无限隐秘的空间，被封进历史的铁丝网后面的秘密之物，在夜晚的黑洞中与今人眺望。他喜欢用各种型号的刀在颜料色层间刮擦，用抽象的细节去填满具象的缝隙。

“青春残酷绘画”的领军人物尹朝阳，在中国九十年代末期的写实主义绘画中占据重要的位置。《王》完成于2005年，这一时期的尹朝阳一方面在创作有宏大场景的乌托邦系列，另一方面也在创作神话系列，与他当时思考的问题有着密切联系。《王》则似乎是“乌托邦”与“神话”两者间的桥梁，画中主体对应着那个想“扮演起英雄与领袖角色”的同时，既虚构着“王”的身份，又与真实的、普通个体并行存在，所以毫无质疑的是“他”依旧是尹朝阳的自我投射，也是那个“痛苦”的矛盾集合体。

从严格的绘画训练中走出的康春慧，在韩国接受了异于传统的新媒体艺术教育，早早完成了自身经验的多样化积累，坚实的基础为她的作品搭起稳定的骨架，使她的画作能够在延续水墨文脉的同时，发展出自己大气独特的审美，在海内外重要机构多次举办展览，2017年更是获得青年水墨年鉴奖。

这件名为《憼》的作品构图精妙，像血管一样编织成的犹如子宫一般的鸟巢中几只嗷嗷待哺的幼鸟与大鸟在位置上形成了一种对称的关系，也让画面具有了一种母性与繁衍的话题感。

祝铮鸣的画远离烟火气，她对于高古的气质有一种迷恋，这种迷恋弥漫到了她的画面中。她拒绝叙事性，绘画的人物展现一种冥想的姿态，这种空寂使画中人物更接近神性。

八〇年代作品专场

溯源中国当代艺术的伟大开端

20世纪80年代是影响中国当代艺术走向的关键阶段，刚刚踏入全球化浪潮的中国艺术家在与西方艺术相融合的过程中反思传统借鉴西方，并不断寻找解答自身艺术问题的路径。与此同时，一些艺术家从中西方语言和文化碰撞这一角度出发，将传统东方化的语言进行“新审美式”的改造，创作出大批具有观念性、前卫性和实验性的艺术作品。暮然回首，正是四十年前风云激变的时代语境，和他们大胆创造的勇气，共同谱写了中国当代艺术史最重要的章节之一。

本次秋拍，华艺国际现当代艺术部精心策划，呈现艾轩、蔡国强、罗中立、毛旭辉、沈勤、苏新平、尚扬、谭平、王易罡、夏星、严力、朱金石、张晓刚（按艺术家姓氏排名）1980年代的早期经典作品。是一次从市场角度补充中国当代艺术史的难得机会。

上世纪80年代，沈勤创作的《师徒对话》《浮》《地平线·椅子》《贯修的世界》等作品，抛离了当时中国画写实主义盛行的局面。此后，他开始了抽象水墨创作，其中第一件即为赫赫有名的《黑白·山》，凭着这批创作，沈勤因此成为“85新潮”时期水墨革新派的代表人物之一。

时至今日沈勤依然认为《黑白·山》是他迄今为止表达得“最完整”的一件抽象水墨作品，也奠定了沈勤在抽象水墨中的创作主线。更为可贵的是，这时候沈勤的抽象山水开始逐步摆脱了时代事件对他具体的影响，开始了从内心出发走向自我意识的深处。

《夕歌》创作于1982年，是张晓刚毕业后回到昆明，描绘圭山印象的作品。与他前往藏区阿坝草原所完成的毕业创作“草原组画”系列风格一脉相承。

作品描绘了在深邃皎洁的月夜中，广阔深远的地平线与起伏的地貌前，一位充满力量感的牧羊女在驱赶着羊群夜归，背景中倒向一侧的树木交代着画面氛围的涌动。不同于后期的作品笔触与画面题材，这时的张晓刚仍旧沉醉于向西方现代艺术学习求索的阶段。他在大学期间受到了西方早期现代艺术的影响，强调本我的主观感受和理解力，这让张晓刚早期的作品具有强烈的形式感，又包含着细腻的情绪表达。

1977年，毛旭辉考上了云南艺术学院，通过大量课外阅读，他开始逐渐深入了解西方现代艺术。1982年后，毛旭辉频频观看从国外引进的优秀展览，对其个人艺术发展起到了关键作用。1984年底，在上海华东师范大学读书的张隆建议他去上海办展览，最终第一届“新具像展”如期在上海开幕。展览开幕以后很轰动，来了很多画家，其中就包括关良，他评价到：“你们的画很好，艺术就是要斗争。”《圭山组画：红土路之二》就是这一时代背景下毛旭辉的经典艺术创作，既有着本土的气息，也有着西方现代主义的色彩，以及一种与主流审美倾向默默抗争的精神。

1942年出生的尚扬三十七岁才投考湖北美术学院，时代注定了他的早期技法无法绕开来自苏联教育系统的写实主义——这种技法在后来的艺术运动中招致了广泛批评，但尚扬依然以扎实的技法和称得上漂亮的画面获得了尊重。他1981年的研究生毕业创作《黄河船夫》让他一举成名，中国艺术界甚至韡其创造了一个新的名词：尚扬黄。

1986年夏天，尚扬和画家方少华一起去到荆沙郊区的农村度过了一个夏天。在那里，他画出了《不断掰开的玉米》，一件面貌突变的过渡性风格作品。这张画表面上仍然以陕北农民的普通生活为题材，实质上画家开始尝试赋予这“掰开的玉米”以另一层意思。作品描绘玉米地里的青年男女，当中作为道具的玉米，却不再具有情节作用，而是带有相当的主观与理念的色彩。画面右上角的驴和左上角的鸟，与其说那是具体的对象，不如说对称的安排和不经意的涂抹有效地剥离了写实的内涵。在这张画里，尚扬用绘画走向对生命意义的追问。

王易罡的《建设者》就完成于1984年，在1985年的时候陪伴王易罡首次参加第一个全国性美展——“前进中的中国青年美术作品展”并获得鼓励奖，同年美术界重要的期刊《美术》和鲁美校刊《美苑》都刊发了《建设者》，是他艺术历程里非常重要的一作。

《建设者》构图饱满，用色简练，有着明确的立体主义风格。但与传统追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面的立体主义不同王易罡更注重的是立体主义中对几何形体的美感追求，在否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法的同时，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面，并把明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。因此，画面中所有人物和钢材都是由几何形体所组成的，它们之间又有着前后、疏密的空间节奏，有着强烈的形式美感，而这种几何形体和节奏感都强化了“工业”形象，正如“好钢用在刀刃上”。

1986年8月朱金石和秦玉芬移居德国之前，朱金石经过大量吸收西方现代绘画的方法后，开始去除画面上多余的图像语言，转而进入到一种源于书法的即兴表现形式。这一举动的意义是非凡的，这标致了朱金石开始了属于他个人的、对抽象的自主探索。完成于1985年的《绿的回声》因其浓烈的象征性和代表性是一时期的代表作，也是朱金石艺术中极为重要的作品。

本作中，朱金石不仅仅用笔触力度、速度进行表达，更是用色彩语言营造出如植物强韧生命力，以及对象征强权的篱笆的反抗。画面左边的黑色似乎就是对右边如植物般的绿色的阻拦，下面的白色似乎象征纯洁，表现出与“黑”明确对立的立场，也是“绿”成长的基本养分；绿色主要分为两种形态：橄榄绿似乎象征着绿色受到“黑色”阻拦的反向生长力，青绿色象征有着充沛而顽强的生长力，它力图突破黑色，朝着象征着希望之光的“黄色”方向成长。在这一过程之中，通过运笔动态判断出生命力受阻拦产生的后退，以及又以更坚决的态度、更坚韧的力度突破篱笆，不禁让人联想到宋朝叶绍翁“春色满园关不住，一枝红杏出墙来”的意境。

现当代艺术日场

多元化呈现中西艺术视野

北京华艺国际2021秋拍“现当代日场”将呈献60余位中西方艺术家佳作百余件，亮点频出。其中二十世纪部分有王济远融合中西理念的彩墨创作、井上有一的重要作品“花”，中国当代中坚力量刘锋植、刘炜、张恩利等艺术家的重要作品，重要观念绘画艺术家王音、张慧、汪建伟等精彩作品，丁乙、王川的经典抽象作品，以及在当代水墨开创新局面的李津、梁铨等作品……

王济远是20世纪30年代中国美术界最具代表性的艺术家之一，才艺卓绝，曾蜚声海内外。他20世纪40年代身居海外、年逾不惑的王济远以国际性的视野融合了中西艺术，以中国画作为载体，立志于在海外弘扬中国艺术。

《鸳鸯落花》创作于1948年是王济远富有中西融合精神的代表性创作。此作彰显了王济远在彩墨创作上中西融合的理念，鸳鸯的画法遵循中国传统书画的方式，但描法上体现平涂之感，用色极为讲究，搭配得当，鸳鸯的轮廓干净明朗、栩栩如生，让观者似乎能深切感受到一只失去伴侣的鸳鸯的失落和孤独。《鸳鸯落花》曾参加1951年3月在美国华盛顿联合国俱乐部举办的“王济远个展”，并作为展览画册的封面，足见其地位。

艺术家井上有一自称“孤狼”，创作时的他，总是半蹲马步地赤脚踩在巨幅宣纸上，手拿巨大地毛笔挥毫泼墨，这是井上有一特有的“书写仪式”，也是他解放自我、解放书法地方式。《花》系井上有一1970年之创作，亦是生前故友、艺术最重要支持者、日本著名美术评论家海上雅臣先生之旧藏。海上雅臣曾说:“井上有一的书法最大的特点是跳出了时间的概念，从传统的‘手指技巧’中解放出来，把整个身体活动贯彻到书写上”。“花”字造型饱满灵活，笔触婉转而不失力道，笔墨来回之间带来深浅层次，一朵东方式的、质朴而荡气回肠的花朵之姿跃然纸上，令观者感受到半世纪前流淌在作者“硬汉”盔甲下，心中偶然浮现的温柔一隅，感受到他对女儿执着和无尽的爱，盼望“花”将为绽放的未来带出力量、生命及希望。

刘锋植作为中国当代先锋艺术的开拓者，他的艺术生涯与中国早期当代艺术的发展密不可分。这件创作于1999年的《红白蓝》便是这一时期的产物，从画面中我们可以看到恣意奔放的线条勾勒出天安门城楼与广场的轮廓，广场上的人物被浓缩成数点。黄色是金色琉璃瓦的印象，红色的穿插加深了这种政治符号的想象。这里的一切都似乎是艺术家脑海中诗意般的美学冥想，画家弱化了天安门作为权力象征的威严与端庄，采用一种打破、对立的表达方式诉说着他对于这一典型地域的情感，在用色上，白色与地面与黑色的天空背景将人们对环境印象的激奋降到了最低点，而红、黄、蓝对物象的描绘则又在不断加强这种对比的张力，在那个艺术追求自由、努力突破藩篱的时代，天安门也许是艺术家表达理念的入口。

王音是中国当代较早在“观念绘画”中践行的艺术家。自“85新潮”至今，遍历中国当代艺术各个重要历史时期与运动潮流，其艺术始终保持着一种独立、另类且克制的平和状态。他始终保持着对绘画本体的发问，较之于画了什么，他更关注创作者本人和绘画之间的关系。

《苏联人》创作于2004年，作品中王音借用微顶光，用色块平涂的手法表现了军官和女性等的人物肖像，尽管该作保留了人物的五官面貌，但是其面部表情的平淡，掩去了其中的具体故事性情节。此外，绘画中的人像置身于由深浅色调搭建的空间之中，呈现出一种平面拼贴感，显然艺术家不是想再现某个人物场景，更多是想展现一种创作者本人主观意愿上人物形象的呈现，他在绘画中展现出的人物衣着打扮以及对人物面貌神情的细微捕捉，让人物形象栩栩如生，有一种时空穿越之感。

汪建伟是中国先锋新媒体、装置与观念艺术家。他尝试使用跨学科的方法去创造新的艺术语言，实践一种用哲学、人类学、社会学等知识去观察世界以及质询当代社会中各种存在、具体事件和观念的方法。

此作是2013年9月汪建伟在北京长征空间个展《......或者事件导致了每一个无效结果》的同名作品，作品中心由重叠的两个长方形立方体组成，呈现了透视法，一种传统的在二维平面上制造三维错觉感、描绘物体的空间关系的艺术技法，与下方白色抽象的扁平几何图案呈现对比，试图提供一种多维的自主批判给观者，对于何为抽象、何为具象的思考。汪建伟传达了一种对于绝对论理念非常精妙的批判，具体化了作品本身的状态、结构、和观看经验的迭代、变形和过程。

“禁止吸烟”系列是刘炜从1995年开始的创作，1999年在“禁止吸烟”系列的基础上，继而又创作了“你抽烟吗?”这一相类题材。

本件《禁止吸烟系列——我喜欢树》与同时期“禁止吸烟”系列的油画有着类似的风格特征，在边缘毛糙的手工纸上，刘炜将铅笔画的三个头颅、中英文字与细碎而神经质的涂鸦笔触，与浅淡的水彩晕染相结合，体现了他化神奇为腐朽的独特个人语言。三个头像依稀可辨是从人头到骷髅的蜕变过程，显然是对现代社会“吸烟有害健康”这一宣传的反讽。而吸烟者无论如何地强调“我喜欢树”，也不可能调和人们对香烟及其产业危害环境的批判。刘炜借此将个人经验与社会规训的矛盾，以戏谑的形式表达出来，展现出他一贯的非主流文化立场。

王玉平善于从平凡之中发现乐趣，即使是身边随手可及之物，这些平凡之物没有连城的价值，没有宏大的情节，也没有出人意表的形象，甚至即使它们存留不过须臾，但他总能以一种“尊重”的态度对它们进行描绘。在那些奔流的笔法里留下的“物”，似乎更能阅读到艺术家内心的涟漪，在他的画中，始终有一种独特的生命气质，而其中的真诚与真实也是他的画特别打动人的地方。

完成于1999年的《椅子》就能很好地诠释王玉平的艺术理念，作品中这一奇特的构图取自于艺术家平时俯视自己椅子的视角，惯用的咖啡杯随手放置在散落的紫色布上，色彩既源于现实，也经过了艺术的主观处理，透过画面，我们仿佛能感受到一个轻松惬意的寻常下午。但在画面之中，紫色布的纹路却是崎岖不平的，它宛如艺术家的思绪，时而依势凸起，时而顺型而落。

李津乃当代水墨领军人物，他以“食色”为主题，融笔墨于当代，开辟了一个全新的领域，他是当代水墨艺术30年进程中无可置疑的一面大旗。传统儒家道德讲究“存天理，灭人欲”。而李津幽默诙谐，爱玩的性格也将他对饮食男女的世俗之情拿捏的恰如其分。李津在作品中所创造的形象，反叛了历代文人画的清静意象，给了现代人一种在艺术里“吃尽人间美味，悦尽人间美色”的享乐美感。

《食色性也》是李津以美食入画的创作，萝卜、大葱、双鱼、彩椒、红烧肉、肉包等菜肴在他的笔下仿佛都能和其产生心灵上的对话。凡美食必配美器，李津笔下的杯、盏、盘、碟，碗、盆，乃至汤钵、茶壶、酒杯，既是盛食之器，更像藏家手中的把玩之宝器。日常所食，所见，所用之美食之美器，皆在李津的画中成为一个角色，与微醉、懵懂的他作对话状，相对无言，惺惺相惜。

奈良九十年代与村上隆同被视为新波普艺术的一份子，而他所创造的标志性图像可爱的邪恶女孩，在如今已成为日本，甚至亚洲当代艺术殿堂中的重要符号。奈良美智曾说:“我的全部作品其实是我的内心的自画像，是和自己的对话。这些图像来源，是在对话过程中回忆自己的童年。”在他的作品中掌握住了人们童年的孤独、自在、天真、快乐及伤痛的回忆。

在奈良美智的小雕塑《失眠夜》中，我们可以看到他典型的小女孩形象，身穿连帽垂耳睡衣，独自正坐在一张小板凳上。她纯真，愤慨，又略带无奈，执着的表情配合上作品夸张的头身比，圆润的结构与手脚，其反差感不由得使人感受到一种令人怜悯的萌感，唤醒人们心中的净土。

方寸无限专场

20 世纪中国美术的新视野

“方寸无限——20 世纪名家小幅精品专场”关注变革之下20世纪中国艺术融合与自觉的趋向，希望梳理东西方文化互为影响输出下的艺术发展脉络，阐释时代笔墨在不断构建中的超越与创造。

本次秋拍再次甄选三十余组小幅名家精品，拍品大部分源于艺术家家属收藏，品质上乘，涵盖林风眠、颜文樑、艾中信、吕斯百、张充仁、李咏森、哈定、黄俊基、丁光燮、陈徵、钱延康、丁立人、吴亦生、查寿兴、刘荣夫、周迈由等人，他们是20世纪中国近现代美术史流光溢彩的书写者，更是中国艺术形态迈向文化自信的坚定践行者。

1945年抗战胜利后，苏州美专成立复校委员会，颜文樑任主任委员，谋划接受沧浪亭校舍并作修葺。1947年，苏州美专迎来25周年校庆，也在这一年颜文樑画了不只一幅《雪夜》。

本次上拍的《雪夜》为颜文樑外孙吴达维先生旧藏之作，颜文樑的学生、苏州美专西画教授陈士宏曾专门撰文论述此作：“近景二株壮实而挺拔的、生气勃勃的树杆向上冲出画面。所有繁密的树枝以各式各样变化着的V形向上遒劲伸展，无不充满着积极的、向上的、活跃的力的象征。进一步再仔细看，这幅画的树枝有着中国工笔画的细致，充分表现了江南风景的秀丽和华美。一般以为，西洋油画由于颜料粘滞厚重的性质，颇难表现轻灵和纤细，然而这幅油画的树枝，在透视空间里穿插伸展，其中有的虽然极细而不失强劲和挺秀，其精致入微的组织，真是一根都不可随便改动”。

作为中国现代艺术的改革者、教育家，林风眠主张融汇中西方文化视觉语言促进艺术发展进步，力求将艺术作为超越语言种族的介质，诉说人类文明的共通情感。他的创作多受中国传统文化与欧洲现代派艺术影响，却又迥异于东西方绘画的风格，独树一帜。

此幅《激涛拍岸》描绘了一幅波涛汹涌的海景。画面对于光和色彩的运用尤为娴熟，在海水、堤坝与海空交接线处采用平涂与晕染的层叠使轮廓更为随意；而在体现明暗交接的地方则用粗放线条来着重区分空间与层次，这种张弛有度的画法削弱了空间深度，寥寥几笔便将空中云雾翻腾与海浪潮起潮落的视觉场景以二维平远视域铺陈开来。傍晚天光渐暗，湛蓝色的海面与青灰色的天空所形成的混沌感，一种汹涌澎湃但却孤独落寞的感受油然而生，艺术家以沉稳内敛的方式展现出阴郁天空与无尽海浪之下的力量涌动与情绪爆发。

林风眠也认为彩墨画离不开“民族性、时代性与个性”，《裸女》便是其中西文化背景与艺术个性相结合的融会贯通之作。西方古典油画中经典的裸女主题意在歌颂人体曲线之美，中国仕女的娇俏婉转意在传达犹抱琵琶半遮面的女子含蓄之美。林风眠将其合而为一，传达出他理想中的中国式人体曲线之美的意韵。

林风眠的油画作品存世稀少，《秋林》便是其中之一，弥显珍贵。画面描绘了明媚的山中秋色，连绵山峰下的秋林茂叶与青砖白瓦，在小溪映衬下交融点染，营造出“树树皆秋色”的绝美画面。炽热的洋红与温暖的鹅黄秋叶在视觉空间上带来的膨胀感拉进了与观众的距离；而冷蓝色调的山脉所带来的视觉后缩错觉则将画面空间张力拉满，方寸之间，天地无限。三两笔间涂抹勾勒，便展现出这秋林山景蓊郁艳丽之形态，可谓妙笔生辉。

本专场中推出的黄俊基水彩作品，共计23余幅，大部分收录于2001年上海大学出版社出版的“基础美术阶梯训练教材”——《静物水彩》中。黄俊基是我国现代较早系统地解释透视学的开拓者，擅长水彩画，以静物、风景著称。本书中的范例配图主要为他与好友哈定在20世纪下半叶所作的写生静物小景，可贵之处在于作品皆为书稿的插图原作，存续良好，实属难得佳品。作为教材选编，作品囊括了日常生活中的各种物件，如：花卉瓶罐、水果蔬菜、文房用品等，着力用有限的作品向观者传递水彩绘画的多重技法与无限魅力。

其中，黄俊基的作品如《月季》《顶红称冠》《有傩面的静物》等对于细节的强弱处理、光影的深浅虚实，雾气的朦胧隐现、笔触的细腻纯粹，都呈现出对空间与透视的思考；对物对景的写生上更加注重主体感情的表达与抒写，从而延展了水彩媒介的艺术表现力。黄俊基年轻时也常与挚友哈定、凃克、谢稚柳等交流、切磋创作心得。此书的封面作品便是哈丁创作的《白菊花和水果》，作品在构图、色彩、用笔、造型及画面的营造上极具艺术表现力，黄俊基选用好友之作作为书籍封面更凸显他对艺术创作的真诚与谦逊。