说起马格利特这位技艺精湛的超现实主义大师，人们往往第一想到的是《这不是一支烟斗》这幅曝光率极高的作品。他的作品细腻而又充满戏剧性，通过理性的视觉错置，颠倒了人们对于现实世界的经验，从而产生出精神上的震撼性。这个夏天，在旧金山现代艺术博物馆（SFMOMA）展现了一段马格利特鲜为人知的艺术生涯。
“雷尼·马格利特：第五季”（RenéMagritte：The Fifth Season）特展于2018年5月19日至10月28日在旧金山现代艺术博物馆（SFMOMA）独家展出，该展聚焦于马格利特艺术生涯的后半段（约1943年至1967年），这段时期其艺术风格发生了瞩目的变化与革新。这次特展展出了超过50幅油画和十几件水粉画，展品来自于北美、南美、欧洲和亚洲各博物馆和私人收藏，可以说是自艺术家1967年去世以来，对其晚期作品最全面的一次回顾。
展览通过九个沉浸式画廊，按时间顺序将七十幅油画和水粉画精心组合，展现了马格利特在他超越理性的画面空间中如何平衡哲学与幻想、讽刺与信念，探讨着我们所看到的与我们所知道的之间的差距。
“雷尼·马格利特：第五季”展览前言
战争与风格的转变
展览始于20世纪40年代，当一走进展厅就会看到许多印象派风格的作品，鲜艳的色彩和松散的笔触颠覆了大众对于马格利特一贯绘画风格的认识。那个年代是第二次世界大战时期，当纳粹德国占领比利时，44岁的比利时艺术家马格利特特突然开始创作几乎与他以前的作品完全不同的画作，将自己与超现实主义运动脱离了关系，质疑超现实主义的目的和动机，质疑自己的绘画风格，他从那些令人不安的平面化作品中的平淡色彩和干净线条中完全跳脱了出去。
马格利特，《预谋》（Lapre?me?ditation），1943年，?Charly Herscovici，布鲁塞尔：艺术家权利协会（ARS）
“雷尼·马格利特：第五季”展厅现场
1943年，他开始以雷诺阿的晚期画作为灵感，以印象派的特点进行绘画，朦胧的层次与明亮的色调成为了他主要的尝试。参观者看到的第一件作品《预谋》（1943）是一幅的鲜花画作，雏菊、玫瑰和其它花朵在画布上迸发，其颜色、漩涡和笔触明显不是马格利特，而是雷诺阿。但当细细静观时，还是能发现马格利特的特点——所有的花朵都是从一个根茎上长出的。“你看的时间越长，越感觉有点令人毛骨悚然，”在SFMOMA精心制作的音频导览中如是说道。《第五季》（1943）这幅作品同样是印象派笔触，画中的迎面走近的两男子宛如幻觉，像是在时间与空间之外唤起的另一种现实，展览的副标题正是取自此画。在此后一个较短的时期内，他模仿野兽派的绘画风格，鲜艳的色彩和松动的笔触在《晕船》（1948）中一览无遗。
马格利特，《第五季》（The Fifth Season），布面油画，1943年
马格利特，《晕船》（Seasickness），布面油画，1948年
可以说他风格的转变与战争有很大关系，在纳粹将“堕落”的现代艺术从视觉艺术流派中抹去时，这位艺术家曾表示，“我不太愿意……展示‘烟斗’这件作品，因为这可能会成为把我关进精神病院的借口。” 这段话也收录在了展览图册中，该展览也侧面论证了马格利特为避免政治迫害而故意改变了他原有的风格。
怪诞空间与圆顶礼帽
20世纪50年代开始，马格利特则放弃了这种风格的转变并回归到他严格的标志性绘画风格，他在这十年间作品的特点之一就是“巨大”。马格利特就像是一位魔术师，将平常熟悉的事物放入体积不对等的空间，产生让人不安的效果。《个人价值》（1952）描绘的是一间由云之墙壁构成的卧室，空间内超大的梳子、刷子、酒杯、火柴令其它家具相形见绌。其它的作品例如《听音室》（1958）同样是将一个日常的小物品放大到一个怪诞的大小，把青苹果从地板到天花板填满整个房间，而通过它的侧窗则能瞥见了天空与风景。我们是在一个普通的房间里看一个巨大的苹果还是在一个玩具屋房间看一个普通的苹果？没有最终的答案，因为这就是马格利特的观点——在画布上，物体的规模都只是画家所赋予的。
马格利特，《个人价值》（Personal Values），布面油画，1952年
马格利特，《听音室》（The Listening Room），布面油画，1958年
马格利特，《欧几里德走过的地方》（Where Euclid Walked），布面油画，1955年
在马格利特的画作中，能大量看到戴有圆顶礼帽的男子剪影形象，展示出了人类对于自然的占领状况。据SFMOMA绘画和雕塑副策展人凯特琳·哈斯克尔所说，在1926年到1966年间，马格利特创作了超过50件与圆顶礼帽的作品。尤其是从20世纪50年代开始，戴着圆顶礼帽的无名小卒们频繁光顾他的画面，走在云朵间、躲在花朵后、藏在森林中、漫步城市街头里……就像是个日常的、匿名的、随处可见的男子，更像是艺术家的另一个自我。
这些在自然环境中的剪影男子像是一扇门，可能是人类进入自然世界的入口，也可能是人类灵魂的镜子所映照出的虚构景观。马格利特运用易识别的人作为构图元素，使他画面中的人与周围环境不断产生关系，叩问着观者的内心。其最著名的作品之一《人类之子》也在展出现场，一个青苹果漂浮在圆顶礼帽男子面前，只有半只眼睛若隐若现，这是马格利特的自画像。
“雷尼·马格利特：第五季”展厅现场，右侧作品为《人类之子》
矛盾的结合体
此次展览的一大亮点就是5幅公众鲜有机会看到的马格利特360°全景式作品《魔域》（1953）。《魔域》他最大尺寸作品，共长6米，是他当时为比利时克诺克大赌场的圆形房间设计的。马格利特共创作了8幅油画，再以1：6的比例将这些油画转为壁画。这次展出的5幅油画是在一个弧形展厅的墙壁上环形展出，也是40年来，在博物馆能同时看到《魔域》系列作品的最全展出。
马格利特作品《魔域》（The Enchanted Domain）的展厅现场
马格利特，《魔域》（The Enchanted Domain），布面油画，1953年
马格利特作品《魔域》（The Enchanted Domain）的展厅现场马格利特作品《魔域》（The Enchanted 在《魔域》展厅旁的为展览另一亮点——《光之领土》系列作品。这一系列作品均为在一幅画面的街景中，同时出现白天与黑夜。从1949年到1965年，马格利特画过二十几幅将白天与黑夜融为一体的作品，迄今为止，该系列同时展出的作品不超过3幅。而此次展览上有着7幅该主题的作品，有几幅均为首次展出。日夜的融合、无人的街头、温暖的路灯，异样的结合但带来的是不喧哗自有声的震撼。
马格利特作品《光之领土》（The Dominion of Light）的展厅现场
马格利特，《光之领土》（The Dominion of Light），布面油画，1954年
马格利特，《阿恩海姆的领域》（The Domain of Arnheim），布面油画，1962年
在展览的最后一个展厅中是专门探讨光与重力，讨论矛盾体。重力与轻盈、坚固与透明、巨大的浮石、像鸟一样飞翔的山……在马格利特的画面里，对时间、空间、存在的基本假设提出了质疑。他的画令人不安又带有幽默，把观者带入一个好似可识别却又陌生的平行宇宙，挑战着观众对于何为真实的思考。
AR技术的新玩法
值得一提的是在展览末尾的“马格利特解说展厅”，通过AR技术观众可以“走进”马格利特的世界。此次现场有着6组增强现实的设备可让观众互动，利用深度感测摄像头和运动跟踪技术，创造了一种沉浸式的环境。
观众在马格利特解说展厅现场进行互动
观众在马格利特解说展厅现场进行互动
所有的显示器都被设计成了白色窗框的样式，以致敬马格利特最著名的作品之一《欧几里德走过的地方》。观众可以站在以马格利特作品为原型的AR显示器前“畅游”画作。例如以作品《Le Blanc Seing》为灵感的AR作品，展现的是森林场景，观众站在显示屏前，自身的影像会隐约出现在树丛之中，随着观众缓慢移动位置，影像会出现在不同的树后。这样的设计可以让观众放慢脚步，体会整个交互过程。通过交互的经验，观众可以获得更多层次的展览体验，加深对于马格里特作品的理解，并继续探讨画作中所展现出的对世界的视觉感知。另一个以《Sheherazade》为原型的AR作品展示的是窗户外天空中的珍珠型面具。当观众站在AR显示器前观看，珍珠会缓缓升起，将观众的眼睛和嘴巴的影像区域勾勒出来，就像马格利特的原作中的珍珠面具一样，但若观众视线有所转移或者离开，珍珠就会像自由落体一样从空中散落。
观众在以马格利特的《Sheherazade》为原型的AR作品前互动
通过对AR作品的体验，让观众对于展出作品有所回顾，让观者成为了参与者，更能引发对展览作品的深思。SFMOMA在以数字内容增强观众体验上，一直走在前列，此次可以说是把AR技术运用于博物馆教育的一个创新性尝试。
结语
此次展览是继2017年马格利特逝世50周年后，SFMOMA与比利时布鲁塞尔马格利特博物馆、马格利特基金会所展开的一次合作，在这个对马格利特晚期作品的一个杰出的回顾研究上，展现出了许多不为人所熟知的作品和其艺术创作阶段。
策展人凯特琳·哈斯克尔（Caitlin Haskell）在展览图录中有写道，“马格利特比上个世纪的任何其他艺术家都更多地被其视为颠覆了我们对视觉形象的信仰。”他经历了暴力战争时期，激励许多欧洲人质疑他们的政府和宗教；他的艺术作品同样要求观众重新评估对认知的接受程度。在这个技术飞快发展的图像时代，扭曲实际图像的可能性和可操作性越来越大，或许对所见到的和所知道的保有自己的意见，比以往任何时候都更为重要。
