7月推荐| 高温天气，适合看展避暑

北京地区展览

“时间永远分叉，通向无数的未来。”博尔赫斯在《小径分岔的花园》里，描述了一座由时间、空间和命运的偶然性共同组成的迷宫。

在中文里，“蹊径”的含义中包含了“方法”的意味，这似乎也给这种“命运的偶然性”加上了某种“必然”的确定感，并且，让“前路”也带上了更多“光明”、“希望”的色彩。作为香格纳北京今年的第二个展览，从这十一位艺术家的创作出发，“时间”与“空间”在当下的意义得以再次重新思考。

互联网的快速演化导致人们习惯了廉价的屏幕读图模式，于是绘画整体同质化的结果在今天也就成了必然，少有人愿意花时间去研究艺术家工作的理由和脉络，在此刻对人们来说重要的只是作为结果的展览。在这样的逻辑下，作为一个线下展览去行动的理由是什么？

北京今年越过了春天直接进入炎热的夏季，时间似乎也被疫情折叠与覆盖了。68位艺术家及作品以“折叠”与“覆盖”的方式在线下呈现出来。这些疑问也得到了相应的解答。

在愈加复杂和多维发展的历史进程下，现实生活逐渐脱离实际经验和身体经验，转向虚拟空间和间接的隔空喊话，那么艺术还能否担任批评和慰藉的角色，艺术如何和历史进程产生联系？

展览把注意力重新聚焦在艺术作品本身，着重磨合创作材料的特质、创作主题的意义和作品的内在美学逻辑，这些着眼点让艺术作品不必依附被创作时的历史文化语境，也将艺术作品的存在合理性从反映现实真理的义务中解放出来，应对错误的答案就藏在艺术本身其中。

周岩的个展围绕着一座无人问津的荒园展开，这片废地曾经是晚清诗人龚自珍逗留在北京五年期间的住址。近年来，由于城市的发展建设需要，这些逼仄的生活空间被清退。而此地究竟要被改造成为何种性质的场所，仍未有定论。

在展览现场，周岩将试图在展厅中还原这块区域中曾经存在过的众多生命痕迹。这一过程中，龚自珍伟岸的形象只是做了一个引子——他在作品中描述的，更多是无力反思和逃脱生活重压的底层人物。诚如周岩所说：“这些故事让我着迷，好像它们都或多或少曾发生在我周围。”

爱，作为一种最具有普世意义的情感，也是艺术史中的重要主题。全球首个以“爱”为主题的影像双年展，以1967年的“爱之夏”为灵感，从半世纪前的年轻群体身上汲取能量，深入思考面对当下困境的全新路径。

本次双年展带来超过20位艺术家的精彩实践，其中过半数作品将迎来在中国大陆地区的首次展出。通过“自然”、“自我”、“自由”、“时间”四大章节，延续“爱之夏”的精神内核，深入挖掘“爱”的当代意义。

感觉与知觉，让人类感受到物质的存在，让我们与宇宙万物产生有意义的联系。而在人类现有感知的边缘之外，世界又将以何种形式展现？

展览以“感知”为主题，从生命、心灵、物质、世界四个维度，12位全球顶尖当代艺术大师打造14件沉浸式艺术作品，构建出一个天马行空的艺术游乐场。在这些奇幻的光与影、声与形中，不仅能获得如梦似幻的感官体验，更带领我们突破“感知边缘”，探索从未领略过的新世界。

《光环上的石子》的展览内容涉及一种话语、一种聚合、一种叙事、一种干扰。宇宙中的行星、光环、石子或其他无名物质由于某种引力相互关联、彼此存在，但又总是保持距离、脱离联合、甚至不合时宜，但宇宙终究是由他们创造的。

参展作品不仅是艺术家们对当下创作状态的记录，同时借用“跨领域的映射”手法打破了媒介之间“关系性”的边界，由艺术家们对于当下所处日常情景的诠释转化，通过行为与绘画装置、视觉与气味算法、思想与观念表达等形式强调创作过程中的行为本质，引发处于“后真相”时代的个体与周遭发生关联效应的深度思考。

一个正处于变革的荒原时代，世界也许正在酝酿新的可能性。一个命题：在这个时代下的土地上，是否还有那个下五屯的艾略特？

写于1922年的长诗《荒原》是英国诗人艾略特的代表作。作为西方现代派诗歌的里程碑，《荒原》反映了战后西方世界整整一代人的幻灭和绝望，及旧日文明和传统价值的衰落。

之于当下，正如一种新的诗性美学，一首关于古典与当代的四重奏。在以上22 位/组艺术家的作品让人不由感叹，世界正期待，在破碎的荒芜之地重见曙光，在干涸的土地中重现活泉。

在现象学中，“悬置”被视作是一种克服偏见和假设的手段，以便根据现象自身固有的意义体系来解释现象。而这也正是艺术家刘诗园面对图像与文本时所使用的方法和态度。

在对既有数据库中的单帧图像充分调动和重组过程中，原本悬置的语义被再语境化，艺术家借此追问这个被图像记录和包裹着的世界的方方面面。从新近创作的影片《为了我没拍的图片, 为了我没读的故事》及最新的摄影作品《冷血动物》系列，从某种意义上来说，每一帧图像就像是有待艺术家调度的演员，通过重新指导和排演，重新激发出它们身上原本的意义。

新技术的使用往往对原有生产关系产生巨大的冲击，NFT之于艺术的冲击不亚于一场工业革命。不仅对于创作者提出了新的要求，甚至重构了展示、收藏、传播等一系列关系。

《柯林斯词典》收录NFT为2021年度热词，与此同时，维基百科收录NFT词条时发生争议，最后拒绝了NFT做为art的词条内容。“NFT，新工具的诞生”就是要通过一个展览将NFT还原为一种技术工具，理清其与作品之间的关系。降维的技术、协作的成果、共同的知识三个部分将展示区块链技术及其运作机制所构建的关系美学。

展览主题“我们都是母亲”取自张怡最新影像散文。早在1990 年代中期，张怡便于纽约替代性艺术现场脱颖而出，以极富挑战的行为表演和录像作品更新身体政治和身份建构的批判参数，被视为“美国重要的女性行为艺术家”。在那些凶猛又充满诗意的录像中，她以身体挑战外部世界，映射出个体与社会结构之间看似平静无事实则难以和解的关系。

展览由此追溯艺术家此前的行为表演，如《在爱里》（2001）、《Que Sera Sera/祈祷》（2013-2017）、《沮丧（母乳）》（2017）等。在连接图像和文字、身体与意志等不同物质媒介的深层关系中，张怡揭示了个体与集体共享的失去，以便我们可以重新思考愈合的过程。

作为中国年轻一代行为表演艺术家，童文敏的创作常常聚焦于外部环境与个体感知的交叉地带，通过看似背反逻辑的行为，激发微妙且具启发性的行动及其视觉诗意。

童文敏在此前对城市废墟的考察中，关注到野生植物的生存韧性，更仪式性地赋予身体以植物的灵性。展览中的六组影像作品记录了艺术家印晒有植物纹路的身体从云南西双版纳勐海县曼召村向北开启的一系列行为表演。此次展览，也是童文敏新近开启并持续进行中的同名行为表演项目的首次呈现。

熟悉王巖的人都会记得《黄昏中寻求平衡的男孩》这件名作。而在本次展览中可以看到，近十年来，王嚴重新回归绘画本体语言的思考及探索的新作。

作为中国改革开放后新一代艺术家里一位较早成名的油画家，王巖潜心于艺术创作不断革新。

近些年来，王巖的创作与前期相比有了很大的转变，这个转变也许与艺术家内心情感和存在境遇有关，思想和心态发生了些变化，从关注人和社会的关系转向关注人和自然的关系，绘画于他而言是人的情感和精神的视觉传递和交流。

展览以隈研吾全新提出的“五感的建筑”观念为脉络，深度阐释其对后疫情时代，未来建筑设计方向的定义与思索——即“建筑应诉诸人的所有感官，依此给人的内心带来慰藉”。

现场将通过白色织物营造轻盈空灵的展览氛围，呈现五个展览单元，打造以空间装置、隈研吾的重要建筑设计模型及手稿、数字多媒体、材料、实验音乐、文献叙事为一体的建筑艺术体验空间。

如何为人们带来后疫情时代的精神疗愈？“视·听·触·嗅·味”的多元感官印记成为观看这一场展览的线索，从而启动与建筑场域的连接、互感与对话，以及对人与自然关系的注解。

曾经，阿尔丰斯·慕夏这位捷克艺术家、欧洲新艺术运动的代表人物一度被世人遗忘；从上世纪60年代至80年代乃至今天，“慕夏风格”始终备受推崇，对欧美以及日本的装饰艺术、流行文化和工业设计都产生不可忽视的影响。

拥挤不堪的艺术史殿堂中，慕夏的存在不可或缺。本次展览将重新梳理阿尔丰斯·慕夏的绘画作品，并以作品中唯美华丽的“线条”作为策展主轴，贯穿五大展区，以崭新的视角，去探寻这位天才艺术家的创作秘密。从多维度表达隽永的美学价值与风尚融合的迷人力量，为观者带来一场诗意浪漫的艺术之旅。

一年只创作8幅作品的瑞典超现实主义摄影师埃里克·约翰逊擅长捕捉不可能。在他的“镜头”下，丰富的想象力与表现张力呼之欲出。

在无数次的拍摄后，约翰逊利用PS重新组合不同的照片，马路变身大披风、小货车带来“满月服务”、抱着纸飞机飞跃办公室……丰富的想象力与表现张力呼之欲出。

作为他的中国首次大型个展，80幅代表性超现实主义作品，32幅手稿与10+个艺术作品创作花絮视频，汇集在七大篇章，为观众推开想象世界的大门。让我们一起跟随约翰逊的“镜头”，在“奇梦幻境”里尽情放飞吧。

博佐画中充满了各式奇异生物。成群怪物和精灵们，有着清澈眼神或露出锋利獠牙，引人注目但又同时让观者感到不安。

在匈牙利艺术家萨波尔齐斯·博佐创造了一个个纯真无邪又放肆欢脱的奇幻世界，他以手势主义般活泼的笔触、绚丽的色彩去描绘出了目光清澈、笑容顽皮却牙尖爪利的野生卡通动物形象们。博佐钟爱它们的任意性，“它们越离奇越古怪，越好。”

50余件新近创作的绘画、纸上作品和过往习作，以及专为本次展览创作的绘画装置传递了博佐过往的生活印记，也为我们展现了作为霹雳舞者一面，他将舞蹈的动态、能量和精神传递至画布之上。

从初习语言“a-b-C”，到说出来，写、或画下来。"表达"是我们的起点，是abC一直争取与保全的宝贵阵地。

2022年，abC艺术书展以“游牧与想象”为主题。思考游牧在今天的启示在于，它提示着我们警惕生态环境、气候的变化，也代表着自由松散的组织方式、灵活有效的行动、去中心化的、打破疆域的可能。

在这一可以找回充实、亲密、共识、开放的现场，将呈现三个策划选书项目，七件个人作品/项目，三个独立策展项目，以及一个声音环境项目。一起加入这场开放式地图的漫游冒险之旅，开启探讨和试验。

尽管这不是一个关于“时装”的展览，却还是要听听马丁·马吉拉的时尚故事。

这场关于“马吉拉在木木美术馆”的展览，是基于马丁·马吉拉与策展人长达一年多的密切交流而产生的。聚焦艺术家自20世纪80年代以来通过实验性T台秀以及对纺织品、布料的长期研究，以及对艺术、材料与身体、时间、性别、观众参与之间持续对话的探索。

这不仅意味着艺术家马丁·马吉拉将首次在北京进行他的创作，同时也是马吉拉的最新作品在世界各地的首次展出。在当前这个大众曝光和超可见性的时代，这场展览可以揭示隐匿和含混性在马吉拉创作中的重要意义。

上海地区展览

西岸美术馆在恢复开放后推出的第一个展览绝对属于“观众友好型”。来自法国设计师玛塔莉· 卡赛特的《哇，地下》互动装置展邀请小朋友和大朋友们步入庞大的地下王国，通过沉浸式的互动探索去激活隐匿在地面之下的生态奇观，拥抱一个超乎日常想象的神奇世界。

《哇，地下》为全球首展，通过8 大生态区域、10 余种探索游戏、5 大感官探险，开启地面之下的生态大冒险。

除此之外，“万物的声音——蓬皮杜中心典藏展（二）”将重新开启。展览汇集160余件蓬皮杜中心的馆藏作品，通过18个展览章节，呈现20世纪初至近年全球化背景下的艺术先锋运动，以“物”触碰历史时代脉搏，沉入聆听艺术背后的声音。

龙美术馆在7月5日推出的“袁运生的历程”是袁运生迄今为止最大规模回顾展。展览作品贯穿袁运生从上世纪50年代至今的艺术历程，时间跨度长达70年之久。此次回顾展展出了袁运生200多件不同类型的作品，以及丰富的文献档案，展示了袁运生波澜壮阔的艺术人生，极为难得。

1979年，袁运生的作品《泼水节——生命的赞歌》因大胆地绘入了3个沐浴的傣家女裸体形象，而引发了社会轰动。展览由这段往事展开，在展现袁运生勇于革新的艺术精神的同时，也描绘出了一段历史的演进与变迁。

除了“袁运生的历程”，龙美术馆在7月还同时推出“詹妮弗·圭迪：满月”、 “画·沈小彤的画” 两大全新展览。

王兴伟的新展消息刚一释出，便刷屏朋友圈。王兴伟的热度不仅源于他在绘画中的前卫精神和实验性，也因为他特有的“王式幽默”。王兴伟的作品既是他的个人私历史，也是一个个标注在时代变迁与历史洪流中的注脚。

展览通过七个单元探索了王兴伟在上海期间创作的逾四十件绘画作品；同时，曾经并肩作战的艺术家好友们也带来了三十余件形式多样、风格各异的作品。直抵核心与旁敲侧击，共同勾勒出了王兴伟在不同时间阶段的思考与实践。

贝唐·拉维耶可谓是法国国宝级的艺术家。复兴艺术中心为这位73岁的艺术家举办了他在中国大陆的首个美术馆级大展，也为中国观众打开了一个奇思妙想的世界。

展览呈现艺术家借助“挪用艺术”探索绘画与雕塑、表现与抽象、生活与艺术之间关系，通过七个系列的作品全面地梳理了艺术家开创性的艺术实践生涯。

作为兼具网红与学术气质的chi K11美术馆，在通过有趣的沉浸式展览向观众推荐当代艺术的新观念、新形式，以及新的欣赏方式上，从未让人失望。

随着美术馆的重新启动，chi K11美术馆推出了一个集展览、游戏、叙事、探索为一体的总体艺术项目——《命运的缺席——叙事交互游戏式展览》。该展览是当代艺术调查局（ABI）筹备两年的结果，本身就是一件独一无二的作品。围绕神话故事的新编，展览邀请了近20位艺术家，共同探究人类的永恒主题——命运。

原计划今年3月份举办的“阿岱尔·阿德斯梅：御旨”将于7月16日重新开启。

阿岱尔 · 阿贝德赛梅1971年出生于阿尔及利亚康斯坦丁，现生活和工作于法国巴黎。他的创作媒介包括了绘画、雕塑、表演、视频和装置。不管媒介如何转换，贯穿阿岱尔 · 阿贝德赛梅的创作的是人类社会共同的主题：战争、暴力和宗教等。作为一个经历过战争的阿尔及利亚人，阿岱尔·阿贝德赛梅通过作品来表现战争的伤痛、历史的真实与文化的厚重的方式是身体力行式的，这也让他的作品超越了艺术本身，而有了更多广泛的人文意义。

本次展览以弗兰兹·卡夫卡的短篇寓言《御旨》（An Imperial Message）命名，集中呈现艺术家的40余件作品，其中10余件为新作。阿德斯梅邀请观众通过展览开启一场内省之旅，思考遍布世界的暴力行为，以及直面我们内在的感受、恐惧和欲望。

本次展览为德国观念艺术家托马斯·迪曼德中国首个全面回顾展。展览通过艺术家职业生涯创作的摄影、电影、墙纸等70余件作品，对其融合雕塑与摄影，探讨历史、图像与建筑形态交界的艺术实践进行系统梳理。

“托马斯·迪曼德：历史的结舌”聚焦艺术家创作的四个重要板块：描绘了看似平凡、却具有历史深意的无名情境的大尺幅摄影；通过手机摄影探索平日生活奥秘的个人“日常”系列；聚焦建筑师和时尚设计师纸质模型的“模型研究”；以及对移动图像的深入探究。

此次展览为艺术家埃德·阿特金斯的中国首次个展，呈现了艺术家和 Tank Shanghai 多年对话与筹备的结晶，代表了艺术家过往创作历程的独特表达。

阿特金斯曾于2019年造访TANK Shanghai而受到启发，他希望可以展出一组与空间产生对话的作品，并通过声音和视觉重新激活空间。阿特金斯认为，作为一个非常后工业的项目，展览《无用之物》通过与废物、无用以及过剩生产之间的联系，在某种程度上形成了与油罐之间的回响。

王加加个展“扶摇直上”于上海油罐艺术中心举办，这是艺术家全新“森林Roots”系列绘画的首次呈现，展览包括一件长达8米的大型“森林”绘画，以及6件来自同系列的中尺幅作品。

王加加出生于1985年，3岁随父母移居伦敦，现生活和工作于北京。王加加以一种中国式的速写把自然界中幽闭的感觉描绘出来，用传统中国画的线描勾勒出有机的森林空间，通过密集的树木、枝干、叶子、根系创造一种内在的动态，吸引观众的视线，每个人都可以从画面中探索出一条属于自己的小径。

奈良美智在中国大陆的首次个展，也是在世界范围内首次大规模回顾巡展在今年3月份开幕没多久便被“封存”，目前展览已经重启，欢迎还没有走进奈良美智传奇艺术人生的观众前来一览。

此次展览通过奈良美智70多件重要绘画、雕塑、陶瓷、装置、700余幅大量未曾展出的手稿呈现了奈良美智跨越37年的多产艺术生涯。

浦东美术馆于7月1日恢复开放，随之而来的是“徐冰的语言”的重启。展览“徐冰的语言”是艺术家首次在上海举办个展，也是他迄今为止在中国举办规模最大的展览。

此次展览汇集了徐冰包括版画、书法、装置、影像等近70组多种艺术媒介作品，凸显了艺术家非凡的创造力。

7月8日，浦东美术馆迎来了一周岁的生日，这座由普利兹克建筑奖得主、法国著名建筑设计师让·努维尔及其事务所领衔设计的当代艺术美术馆已经成为上海的一座地标性建筑。2021年开馆的三大展让浦东美术馆出道即巅峰，随着美术馆展览工作的重新开启，期待浦东美术馆持续输出更多优质的展览。

潜水员陈列的样本是粘土与树脂构成的雕塑，这两种材料模拟了永续的地质过程，如沉淀的化石，如冻结的海水。被这些样本捕获的，有自然的遗落、有机的物质，有人造物也有描画勾勒，诸如渺小天体，图腾样的史前动物，方寸大的捕鱼图。

这些雕塑为我们的目光赋予了近乎上帝的视角，这不仅因为它们凝固不朽的一切都尽在股掌之间，也更因为它们抹除了时间的线性，将相去数亿年的事物藏在了同一个瞬间。它们向人类对时间的体验发问，也怀疑着，那些存在于我们祖先足迹以前的事物，是如何被如今的人类赋予了价值。如此一来，它们也是象征虚无主义的祭品，献给确信无疑的已知世界，也为自然历史的无穷可能埋下了纪念碑。

此次展览是艺术家陈英在没顶画廊举办的第三个个展，突出地呈现了艺术家如何将抽象绘画与数字技术的思辨关联在一起，作为其艺术工作的全新的切入点。

西班牙艺术家阿尔贝托·佩拉尔（Alberto Peral）的雕塑通过极简的风格呈现了颇具哲学化的沉思。艺术家将本次展览中的22件装置雕塑作品的起源都归于圆柱体的各种形式，将一些看似轻盈的形状赋予体积感。

“我对作品与观众的关系非常感兴趣，所以我非常注意作品所放置的高度，并想象观众接近它或者看它时所呈现的姿势。”阿尔贝托·佩拉尔解释道，“我的许多作品都有不同的视角，仅仅从一个角度看是不全面的，这使得观众需要围绕着看它来欣赏它的意义。从这个层面上来说，我更愿意声称雕塑不是一个可以一眼看全的图像。”

Owen Fu出生于1988年，现工作生活于洛杉矶。Fu的绘画追寻着四季的变化。这几乎可以说是一种科学概念。由生到死、从暖至寒两条曲线轴在春分与秋分时节相交。第三条轴线反映的是日夜轮转，从中可以看到八种对内在天气氛围的隐喻可能。

施蕊妮在展览中呈现了她与团队联合创办的两个虚构平台 FuneralPlay和LoveCounter，推测在区块链技术发展成熟的条件下，用户参与数字葬礼和婚礼能否获得更为友好的交互体验。

该项目为徐斯韡在超过十年的声音实践和创作以来的首个艺术项目，亦为M Art Foundation因应疫情防控因素更新其年度主题系列项目后的首个项目。

“打开窗”并不是一个艺术展览，而是一个“集会场所”（gathering space），在这里徐斯韡记录过的声音与新的声音在交融，徐斯韡实践与创作的经验和成果与观者、听者的经验在汇集，在这里是我们在“团购”后的亲身团聚。

其他地区展览

7月10日成都蓝顶美术馆1号厅开幕了新展《鲁流，鲁流》，此次展览特别邀请了鲁迅美术学院毕业的13位艺术家参展，他们分别是毕建业、谷晓艳、耿旖旎、黄亮、贾蔼力、历宝江、龙智、撇条君、商成祥、宋元元、王佳雪、闫珩、于重文。展览呈现的绘画方式是一个特别东北的方式，大而凛冽的，像那里的旷野，凛冽如那方冬天的风。此次展览也是在西南地区看到鲁美“东北流”绘画面貌的难得机会。

由海上世界文化艺术中心SWCAC 与 UCCA尤伦斯当代文化艺术中心，共同呈现的意大利国宝级艺术家莫瑞吉奥·卡特兰最新个展——“莫瑞吉奥·卡特兰：愿你在此”，于7月9日在SWCAC开幕，由此正式开启艺术家在中国的巡展序幕。作为当今国际当代艺术舞台上最受欢迎、也最具争议性的艺术家之一，卡特兰在本次展览中呈现了涵盖雕塑、墙绘、装置、行为表演在内的20余件代表作品，以及为此次展览特别创作的互动装置作品，以其标志性的戏谑有趣、发人深省、充满启发性的艺术创作，对人类的欲望与憧憬展开探讨。

尼古拉斯·帕蒂笔下的风景、肖像与静物世界独具一格、大胆超凡。他以粉彩这一独特而柔和的媒介，创作出不同寻常的深浅和流动，将他独有的视觉表达融合进充满幻想角色和图案的奇妙世界中。帕蒂的香港首场个展「红色森林」（Red Forest），呈现13幅艺术家特为此展创作的全新风景与肖像粉彩画，涵盖了「红色森林」、「水中倒影」与「陨石人像」系列，陈列于色彩鲜艳的展厅墙面。帕蒂对宇宙万物的五行元素进行了探索与运用，由此向观者提问：究竟人类是自然的一部分，还是操控与破坏环境的外在力量。

6月25日至8月14日，吉本岗艺术中心与醍醐艺术将联合主办著名中国艺术家丁乙的首次西藏个展“十方：丁乙在西藏”。展览不仅首次披露丁乙以西藏为主题创作的一系列全新力作，还将精选展示其自上世纪80年代至今的代表性作品，梳理艺术家“十示”系列作品的发展历程与全新动态。喜马拉雅地区的信仰和自然无疑赋予了丁乙巨大的生命感悟与创作启迪，他回沪后首次尝试以蓝色作为绘画的主色调，并引入藏纸、矿物颜料等藏地绘画材料展开材料实验及实践。

此次展览由批评家、策展人、四川美院艺术人文学院教授何桂彦担任策展人，邀请到十位有代表性的中青代艺术家：艾敬、曹晖、苍鑫、郭晋、何汶玦、刘可、李占洋、魏青吉、杨千、周力。历史的叙事也许在未来会不断强化2019-2022这个特殊的历史时期。诸多新的社会现象和文化症候不断地提醒我们，全球化与反全球化，国际主义与民粹意识，自由主义与保守主义，正在改变着当代艺术所面临的社会与文化情景。面对一个充满不确定性的“后疫情时代”，对于艺术与文化的历史情景、现实使命，以及未来走向，将成为我们无法回避的课题。

这是中国重要的当代艺术家陈文令在德国公立美术博物馆的首次大型个展。此次展览将呈现艺术家在雕塑、书法、摄影、手稿各个领域丰富多彩的创作，展出作品数量超过百件。在中国当代艺术界，陈文令凭借着持续的努力和旺盛的创造力，他的作品一个系列接着一个系列面见艺坛，参加到多种展览活动之中，引人注目。更重要的是,他的作品因具有他自己艺术发展逻辑内在的牢靠性而获得鲜明的风格。在这个尺度上，陈文令构筑起了自己的世界。

“流动的情绪”当代艺术邀请展集合了六位中国当代艺术界代表艺术家作品参展：丁乙、梁铨、毛焰、尚扬、谭平、张恩利，此次邀请的六位均是有着成熟绘画语言，并形成自我学术体系的当代艺术家代表，希望借着艺术家不同语言，不同风格的作品，为观众提供观看、理解当代架上绘画的六个鲜活切片，近距离感受当代艺术大家在各自创作谱系中独特的表达。

7月初，舍得·成都复星艺术中心，开幕了日本著名建筑设计师青山周平个展⌈看不见的生活⌋，以此宣布复星艺术中心新场馆于成都落成，并正式对公众开放。作为青山周平自2014年工作室成立以来的首个个展，“看不见的生活”三大主题——共同体的机制、城市寄生家具计划、偶然与不控制，涵盖文本、模型、1:1还原建筑、装置艺术等作品，对其建筑设计实践进行全面回顾。

谷公馆于七月十日推出韦嘉最新个展「劲旅」，这是继「劲旅前奏曲：韦嘉2008-2018精选作品展」之后，呈现的韦嘉全新创作个展。展览以独特的双城展览形式呈现，由台北谷公馆画廊与深圳红树林画廊同步举办，展出韦嘉自2020年至2022年最新创作作品，包含展览同名作品「劲旅I」（台北展出）以及「劲旅II」（深圳展出）。2010年后，韦嘉逐渐将视野拓及独特或普世的人性，以及人与社会群体间的状态。韦嘉的作品描绘了生命本质的面貌，动态的笔触介于具象及抽象之间，既定的轮廓消减，进一步的反应当代人在其所属的现实环境中，既永恒也变幻万千的种种生命状态。

“蹊隧”，源自独辟蹊径的意向，其中包含有主体建构的自主意识。“隧”，微暗不明，有探索前行的意味。暗指创作者在未知的探索中，积极地认识和建构自我。对苏家喜而言，绘画本身的“实体”无法单一地作为制作图像的手段，通过这个唯一性的“实体”带出的诸多语汇来回应和调整自己的现实体感。

观众在未知的蹊隧中与艺术家一同，感受时空变迁所沉积下来的温润与空旷；发现来自亘古不变的自然秩序的启示；通过细微的视角去思考个体自洽以及完整性。