2015年10月30日下午4点，“那山—刘懋廿个展”于今日美术馆3号馆开幕，展览呈现了艺术家刘懋廿的40余幅西部题材油画作品，含早、中、晚三个时期，同时还有部分“西藏手稿”亮相现场。
此次展览是艺术家刘懋廿的首次个展，这也是其在很多人眼中被视作为“新人”的一个重要原因。当谈及这一话题时，艺术家刘懋廿很是风趣的解释道，“我没有机会办展，机会是给有准备的人的。我没有准备所以没有机会。我也不知道什么是真正的机会。对我而言是机会一直让我画画。几十年了机会不让我做展览。在机会面前我没有选择是因为我没有成为机会分子，我选择的是顺其自然。”
多年来贯穿始终的低调创作状态，在刘懋廿的这次展览中也有很好的体现，虽然笑言自己没有办展的机会，但当首个个展举行的时候，刘懋廿却十分令人意外的没有在展览中纳入策展人的角色，对于个中缘由，刘懋廿的回答更是直接，“不需要一个不了解的人来做策展人。把画摆出来给大家看就行了。”
诚然，把画摆出来给大家看就行了。如此简单的一句话却道出了整个展览的精髓所在。刘懋廿的艺术是需要这种近身观看的体验，他的作品如果抛弃了这个近距离的视觉体验，很难读懂其作品的韵味和独到之处。在很多人看来，刘懋廿的作品在题材上并没有特别之处，无非是些藏民的生活琐碎和日常百态，但恰恰是这种平淡无奇的日常生活场景，在刘懋廿独到的用色和造型手段之下，迸发出了别样的光彩。
油画作品在观看上需要一定的距离感，刘懋廿的很多作品也正是如此。远观与近看在刘懋廿的笔下完全是两种不同的视觉享受。远观可以通晓整件作品的型与美，而近看则能充分领略其艺术创作的坚实功底和色彩的变化无端以及笔触和机理的外在韵味。这或许也正是刘懋廿作品的一大特色所在。
举例而言，在现场展出的一件名为《吃糌粑的人》的作品，该件作品于2014年完成。如果远看，着蓝衣带灰冒的男人形象以及手中的糌粑清晰可辨，但如果走到近处细看，所能看到的只能是一片色块的堆积，甚至感觉毫无头绪可言。这种强烈的视觉反差在刘懋廿的作品中随处可见，而这种反差的出现也被看做是刘懋廿创作经历中的一大转折点。
2011年是刘懋廿创作母题的分水岭。早期作品以陕北题材为主，为日常人物赋予“灵魂性”是该时期创作的主要特征。双手合十的人，沉思中的劳动者，抱着娃娃的老汉，骑在一起背箩筐的两个男人，这一系列的作品都被作者赋予更高层面的意义，从而超越一般写实作品的模拟。与其说刘懋廿是在用油彩绘制人物形象，不如说艺术家是在描绘一座由底层人物演变而来的“纪念碑”。艺术家仿佛是在建构一个强大的超现实的土地神，来改变普通农民靠天吃饭的命运。
2011年之后，刘懋廿转移到了西藏题材，扩大了创作的视野。艺术家先是以一批风景作品过渡到崭新的创作阶段。画面中的光线更加鲜明，颜色通透，房屋井然有序，不失生活气息。但是单纯的风景写生承载不了艺术家情感抒发的雄心。过渡期后，刘懋廿便进入到更加广阔的创作中来，大量的人物画作品也随之产生。这个时期的人物画，更加令人记忆深刻。人物的塑造别具一格，将呆滞与乖张，苦闷与释放等矛盾因素共同融入到对象的塑造中去，仍给人以和谐统一之感。其风格多样，技法千变万化，表现主义、写实主义、抽象主义甚至岩画风格，都被艺术家拿来使用，又相互糅合。但无疑都是直接指向情感之本源，即对西部的热爱和难以抑制的冲动。
从题材到风格，艺术创作的两大重要源头的转变让刘懋廿的作品变得更具冲击力和视觉上的震撼效果，而这种转变的发生与发展也在“那山”个展的现场，如一场探索之旅般借助作品的次第流转向观看者娓娓道来。
批评家策展人黄笃、何桂彦、吴鸿、王端廷，今日美术馆馆长高鹏、北京元成美术馆馆长韩之庆与艺术家刘懋廿一道出席了当天的开幕仪式。
据悉，此次展览将展至11月8日，结束之后还将会在上海和西安两地进行分别展示。
