Mariah Robertson’s 88, on view at P.S. 1.

在最近的各种美术馆博物馆展览中，我注意到一个艺术创作的新方式。从去年的新博物馆（the New Museum）举办的“比耶稣年轻（Younger Than Jesus）”，到惠特尼双年展，一直到最近MoMA P.S.1的十年内两次的新人才华展“大纽约（Greater New York）”，我目睹了这种方式的开花结果。这是一种态度，仿佛在说：“我知道我的艺术看起来愚蠢无比，而且很可能在以前就已被实践过，但这并不表示它不是认真的。”对艺术自知，不羞愧，勇往直前，这些年轻的艺术家不仅不觉得真诚和嘲讽之间有多大距离，他们甚至能够做到既真诚又嘲讽，他们从这个复杂的混搭中创造出艺术。

在“大纽约”中最好的一些作品，就体现出这种态度。最糟糕的是它们充满了各种会动的、发光的、制造噪音的东西，一切都足够疯狂到让你感觉你身在一个嘉年华而不是博物馆。我想要看到更多艺术，那种能让你驻足欣赏，比如绘画的艺术，但很少。然而，策展人Connie Butler，Neville Wakefield, 和Klaus Biesenbach－他们都是博物馆世界的大人物－更喜欢“关于”绘画的作品，而不是绘画本身，比如Dave Miko的画布被架在一个小架子上，而有架子后面的墙上有几滴颜料，还有一个傻冒的名字叫《寂寞的商人》。

但是让我们看看好的一面吧。我算了一下，有13位艺术家的作品让我非常喜爱，还有另外12位的作品使我想要再看一遍。比如说Liz Magic Laser的作品《我的》，一个体现了女人私密生活的视频，在里面，她和一个外科医生一起动手术，旁边还有医疗机器人，而手术的对象是她的手提包；艺术家同时在拆除以及创造，将她的手提包变为一种劳申伯格式的结合体。这种又奇怪又熟悉的疏离感还存在于Brian O’Connell的奇特有趣的盆装土中，这个作品让人感觉我们占领了一座巨大的沙漠城堡；还有在David Brooks把森林做成木乃伊放在混凝土里，这是对把自然世界变为终将死去的人类游乐场的一种悲哀的评论。Leigh Ledare拍摄他母亲做爱的照片把我们带到人类内心渴望联系的最深处；Ryan McNamara在大楼走廊里学跳舞的景象，代表了那些强迫在公共场合剥光自己衣服（无论是字面上的意思还是比喻）的艺术家的心声。Saul Melman在大楼地下室的巨大镶金双壁炉是另一件劳师动众的作品，但是它也是对古代、对所有死者的一种纪念。同样态度认真的，而且同样奇怪的，是 Matt Hoyt的迷你黏土雕塑，它们看上去像“雕塑性生物的”形式，还像死老鼠。它们暗示了创造形式和创造生命这两者的内在联系。

在 “大纽约”展中大多数优秀的作品都包含了作者对材料使用、媒介选择的出乎意料的跳跃：雕塑、音乐、视频、以及摄影都混合在一起；例如拼贴和组装的技术结合了像泥土、吸铁石、偷来的唱片、艺术评论文章（甚至有我的）等非普通材料。Mariah Robertson的长条照片横跨天花板和地板是雕塑装置式的摄影，上面脏脏的、变幻莫测的、打破传统的形式看起来像素描、油画、底片的结合体。

巨大的集体事件正在扭曲着常态：你可能一会喜欢一会又讨厌他们。在2005年版的“大纽约”中，有162名艺术家参展，这很可笑。在2010年这次，人数缩小到了68名。至于我们的收获，更加关键的是我们没看到什么，我们没看到一种至今为止都很熟悉的，愤世嫉俗的艺术，它们通常关于各种小花招，那种作品又冷酷又嘲讽，它们只是对于它们本身很嘲讽的事实而冷酷，或者基本上只关注于对其他艺术作品进行评论的作品。对于这种形式的消失我感到很高兴。

【编辑：singer】