最重要的就是科耶夫，对各种道路观念的僭越，因为他的生活模式、思想观念上来讲，是一个另类的人物，僭越相对于界限而言的，为什么有僭越，就是因为先有界限，所以科耶夫一生就是对各种道德进行僭越，比如说人类的文化、人类文明不断发展出生活的规则，生活模式，或者道德观念，把所有的东西都当成界限，就是不断的跨越界限，在这里面发现僭越和界限是一个辩证关系，一旦跨了一个界限，界限马上又会重新来，然后再一次跨越界限，这个过程是连续性的，不可终止的，就是波涛一样，一个浪潮打过去以后，就是不断的往前推，这就是僭越，僭越就像波浪一样往前涌。还有一个很精彩的文章，僭越像黑夜中的闪电，一下子将黑夜夜空照亮了，马上恢复黑暗，然后又来一道闪电照亮，就是不断的连续性的过程，像欧洲文化史一样，一直不断的发展，没有僭越就无所谓界限，没有界限的话就无所谓僭越。
科耶夫就是过着一个危险的生活，僭越很大程度上意味着危险，界限意味着安全，在这个界限内生活的很好，不会有什么危险，僭越，既有生活的意义，同时也是对道德观念的破坏，同时也是对生活提拔的一种摧毁，很大程度上，就是意味着风险。僭越是有思议，所有的僭越都是危险的，这个文章之后，僭越理念就开始出现了。
现在社会有一个核心，就是体制化的社会，各种各样的法律、规章、制度，我们现在所做的就是不断打破这些规范和体制，就是要进行僭越，很大程度上，僭越也是艺术的天命。艺术家意义在于僭越，超越既有的艺术规范；艺术就是不停的僭越。
还有一个方面，僭越要特别强调抵抗，抵抗的重要性，两位艺术家的作品我也大致看了一下，在这里用抵抗会更准确，日常生活总体来讲还是很平庸的，要僭越的话，某种程度上是不可能的，保持距离，保持抵抗，抵抗有各种各样的方式，可以是内心的反抗，可以构造一个幻觉或者乌托邦，就是对于平时生活的烦琐、无聊的抵抗。
还有一个沈怡的作品，《吸一口气》本身也是跟令人窒息的社会有关，包括你说的光，光本身某种程度上也是一种抵抗。还有一个哲学家也特别强调日常生活中的抵抗，我们日常生活中充满了统治性的，消费主义的统治，还有具体机构形式的统治，但是我们恰恰是在统治范围内，利用某个职能稍稍打破一些缝隙，对稳固的现实进行抵抗。还有一个法国文学家有一本书，就是日常生活实践，就是讲的穷人，他们有一种发明，就是抵抗的各种模式。举个例子，比如说在大商场里面，我们普通人消费不起高档的产品，尽管买不回来，也可以有自己的消费方式，比如说名牌衣服没有钱买，但是可以试穿，就是有一个制度和规则，可以用手机拍下来，感觉这个衣服曾经拥有过。
沈怡：美国的话，可以穿三十天没有关系，再还回去。
汪民安：就是穷人的方式，还有我们读书人，书太贵就买不起，就是去一个书店，坐在那里一下午看书，就是利用规则抵抗日常制度的统治。还有美国很多的老人，夏天很热，家里用不起电，到大商场去坐一下午，就是享受空调。
当代艺术，你们的作品就是需要发现这些方面，将现实歪曲一下，或者打破一个空隙，就是在现实规则之内，但是起到了抵抗的效果，我觉得这也是一种艺术家战略战术，或者劳动人民的战略战术，对于制度无处不在的消费统治的抵制，我觉得这个更有意思。
著名策展人皮力：对于科耶夫的补充一点，对于现实生活制度的抵抗，最早就是从超现实主义开始。达达跟超现实主义之间的关系非常明显，今天国内游很多艺术家做的超现实，是关于梦境，达达都是放到小的展览厅，随便找一本书定义展览，达达一直对西方很严厉的生活秩序很反感，整个达达主义，是在反抗很沉闷的资产阶级的规律，就是要不断的去打破，他们做的展览行为，闹剧、喧嚣等形式。后来有一个ZARA，叫查拉，是波希米亚人，一战之后就去了法国，把达达的理念带到了法国，一致认为超现实主义是政治的行为，政治行为跟共产主义运动是一样的，要推翻资产阶级统治的生活节奏和秩序。能够打破生活节奏和秩序的，那就找到了潜意识的梦境，这是很潜在的因素。
我们如果谈整个当代艺术，就是从这根线下来，从超现实主义之后到艺术和生活之间的界限，卡普罗的行为，到后来的约翰凯迪做的行动，1956年到1972年，谈的界限和僭越是波浪式的，所有的艺术、胡闹、实验也好，都是可以被接纳，界限越来越被打破，有点象溺爱孩子的爸爸和淘气的孩子，越淘气会觉得越可爱，就是要维护这样的可爱，这样可能谈到体制化方面，这次展览就是很个人化，都是业余的艺术家；另外一方面，有很多理念是新鲜的，我想问一下付晓东的感受，谈叙事性也可以，就是从您的经验角度来说，中国当代艺术家的特点是什么？您怎么看待？
付晓东：实际上，这几年，我可能做年轻艺术家的工作非常多，就是全国各地的年轻艺术家的工作室和展览，我都有密切的关注。不管是新媒体，视频，还是绘画，在全国范围内，年轻艺术家的创作能够有一个基本的判断和描述。刚才的时候我们也聊了，我还是有一个疑问，在这个展览的讨论会上，不能提女性的概念，对于这两位艺术家而言，在作品元素里面，仍然是很有力量的因素。
去年的时候，我策划大声展2010，当时邀请雷本本作为参展艺术家，当时她作为一个现代舞专业者的身份，做了一个身体彩绘在自然里面的舞蹈，仙鹤、豹子动物的展现。雷本本的作品是偏审美化，有这样的视觉要求，可能跟她舞蹈专业有关系。当时我觉得这个作品，因为女性的身体裸体彩绘和自然发生的关系，我觉得是有很强烈的感受。
包括沈怡的作品，我当时看到《吸一口气》，是很有意思的，依然作为一个身体的实验者，在核桃里面镶嵌，还有在洗衣房里面工作，去创作这个《吸一口气》，《吸一口气》跟身体本身就有关系，别人看到《吸一口气》的时候，本身不得不吸一口气，本身是一个身体反应，在硬件上形成了一个完全额外的要求，但是又不敢面对一个悖论，依然是一个身体的嵌入。
著名策展人皮力：你觉得这个身体跟性别有关系吗？
付晓东：雷本本的作品，不管是否非常瞧不起女性这个概念，但是这是最强有力的身份，或者真正有意义的价值。
雷本本：我想听一下汪老师的感受，您觉得有女性概念和特点在吗？我个人从来没有强调性别，包括《桃源三记》，就是为了防止会产生一个倾向，所以全是男性。
付晓东：我一直觉得很奇怪，为什么女性艺术家对女性的概念会是这样。
著名策展人皮力：其实我对女性主义的研究还是很多的，在实际操作过程中，我们谈论女性问题的时候，可谈论的题目，我们要界定的范围都被限定在身体、日常劳作特点层面中，所以我一直在具体个案里面特别回避女性这个概念，我觉得是矫枉过正，过于谈到女性，会把作品的丰富性抹杀掉，今天不谈女性概念的问题。对女性主义的界限究竟在什么地方，我一直不知道怎么把握，有些题目可以谈，有些是不可以谈，我特别讨厌别人限制我要谈什么或者不谈什么。
汪民安：我可能是中国最早研究“身体”的理论，当时我跟晓东看你的作品，我还是很喜欢的，我不是从女性角度去看的，有意思的地方就是跟身体有关系，跟身体有什么关系呢？不是男人女人的身体问题，是身体和动物的关系，实际上就是人和动物也是非常有意思的方面，人和动物到底是什么样的关系，一直认为世界以人为主义，现在有一个越来越强烈的意识，人和动物的亲密关系超过人和人之间的关系，很多人养宠物，关系特别亲密，在网上看到一个通州那边的男的，婚姻失败很多次，后来跟他养的宠物进行了婚礼；就是人和动物之间的界限，目前有一个很强烈的趋势，当代世界当中，人和动物的界限、人和机器的界限，某种程度上已经破除了，就是动物会接近伴侣的关系，家里养宠物，不是将宠物训练成适应人，很多都是人去适应，就是人的“动物化”，就是人现在不断的向动物回归，有这样的现象存在。
著名策展人皮力：我追问一个问题，您最早研究身体理论的，身体，在哲学中成为很重要的课题，是必须要谈论的问题，您能介绍一下来龙去脉吗？
汪民安：从尼采开始的，西方一直强调灵魂、精神层面，一直到后来的基督教，古代希腊到中世纪，一直到文艺复兴开始，一直在讨论这个人和外在世界的关系，人和神的关系，通过意识，如果相信身体的话，是不能约束外在世界的，身体只是感觉，强调意识合理性，伯拉图时期，就是强调精神，基督教时期强调灵魂，作为人本身的话，就是意志，就是身体，把灵魂、理性、意识砍掉了，将身体凸显出来。到尼采的时候开始强调身体，到后来强调欲望，以及强调社会和身体的关系，现在都是发明了各种各样的规律，就是把身体驯化了，变成一个有用的身体，当代世界上，身体成为一个核心性的问题了，消费是把身体作为对象，作为商品来对待，有一个很简单的哲学史。
著名策展人皮力：1997年的主题就叫身体，整个追溯的是文艺复兴以来，身体形象怎么出现在艺术里面的？这个问题也是西方中方主义的观点。最后一个问题，我有看了《吸一口气》作品，我也考虑到一个维度，但是不太敢谈，问付晓东最后一个问题，你怎么样看待他们作品当中叙事性、幻想性的叙事性，我一直以前王卫的作品，把个人的叙事植入到其他方面的叙事，今天对叙事关注不是太严格，比较抽象化，您是怎么样的考虑考量？从我个人来说，为什么要追问这个问题，因为西方的艺术，实际上是从康德斯基开始把叙事彻底取消了，认为艺术就是超越日常生活的层面。
中国艺术家，当代艺术发展没有经过这个阶段，我们学画画、文学，都是现实主义的方式，我们要讲故事，要讲的很完整，就是成为一个象征性了，我们搞观念艺术，所谓的做录像，不是一种观念，是很现实主义的，从西方角度来看，我们是现代主义之前的语言形态，追问的问题就是怎么看待，叙事性对中国当代艺术来说，应该是甩掉的包袱，还是有可能诞生出新的正统当代艺术史的语言方式？
