Andy Warhol," Hammer & Sickle" (1976)

每当一间博物馆想出了一种巧妙而且创新的方式来利用其永久藏品时，它的质量就更上了一层楼。不要误解了我的意思；并不是所有巡回举办的大型展览都很差。不过我们应该记住，当那些永久收藏的大师级作品从一间博物馆搬到另一间时，它们实际上也是在远离观众视线的黑暗的贮藏室之间来回穿梭。

最近几年，经济的不景气使得许多博物馆对花费巨大的巡回展失去了兴趣。Jeffrey Deitch在洛杉矶MOCA举办的街头艺术展就深受这一趋势所害——这场展览原计划于明年在纽约举办巡回展，但却被布鲁克林美术馆以“财政状况不允许”为由取消了。与此相反，博物馆将注意力转移到了它们的永久收藏上，并且给予了更多的创造力。需要是发明之母吗？还是说为自己的藏品赋予生机能够给博物馆带来共同的利益？（又或者这两者情况兼而有之？）无论是哪种情况，观众始终是受益者。今天的观众有更多的机会看到那些重要的作品，富有创造力的策展人们为这些作品塑造了新环境，同时也是在重新审视我们建造并且认知艺术史的方式。

例如在惠特尼美国艺术博物馆举办的展览“Singular Visions”，这场轮流进行的展览开始于去年，试图将观众重新引入博物馆的永久藏品中——这其中许多作品大概有数十年都没在公共场合“露面”了。上个月，《纽约时报》引用了该博物馆的首席策展人Donna De Salvo的话来阐释这场展览：“‘Singular Visions’背后的推动力是为了保持人们对我们藏品的注意…这不仅仅是在重新发现那些被人遗忘了的大师作品，同时也是给那些和我们同时代的艺术家以一种高度集中的方式被看到的机会。”展览网页上的首要说明已经表达得很清楚了，“Singular Visions”试图将来自过去那些年代的作品与现在的文化及媒体环境进行对抗，扩展我们对威廉姆-德-库宁（Willem de Kooning）、埃莉诺-安坦（Eleanor Antin）、罗伯特-莫里斯（Robert Morris）等艺术家的认识。