陈亚莲
《父亲》
1995年至今，陈亚莲进藏十余次，完成了40余幅大尺寸作品的创作。《生命的曙光》等作品记录了西藏普通百姓的寻常生活，并在22岁时在中国美术馆举办个展，成为新中国成立后在此举办个展最年轻的女画家。进藏期间，她遭遇了多次危险，翻车事故也曾让她拿画笔的右手差点落下残疾，但她依然热爱并记录着这片雪域高原。
用心灵触摸生命历程
前段时间，陈亚莲的家兼画室搬到了东四环。在几百平方米的空间中，现在有四幅等待完成的西藏题材作品，陈亚莲每天面对几米高的宣纸不断描绘着心中的西藏，但对她来说，坐在舒服的家中作画只是“在路上”的中转站。
对于陈亚莲来说，西藏是她的第二故乡。1995年，陈亚莲第一次进藏，虽然去之前查过资料，看过西藏题材作品的画册，但到了西藏后还是和很多游客一样的走马观花，但陈亚莲心中却有了一种回家的感觉。此后，她在十年的时间里，进藏十余次，并在那里长期生活和创作。由于从小喜欢大自然，陈亚莲在西藏的生活如鱼得水，但雪域高原自然环境的恶劣，却让她吃了不少苦，甚至差点无法再拿起画笔。陈亚莲曾经历三次翻车事故，最后一次车子从离地面7米高的桥上掉到了桥下，这次事故导致她右臂粉碎性骨折，医生在手臂内放置了一根与手臂一样长的钢针，而这根钢针陪伴了陈亚莲三年。
经历了各种困难，陈亚莲并没有放弃她热爱的雪域高原，她认为西藏有一种巨大的能量吸引着自己，并让她深深眷恋着这片土地。而且吸引她的不只是晚上的星空和广袤的草原，当地居民沧桑的面容和纯净的眼睛一次次冲击她的内心。凭借对于西藏绘画独特的理解和表现，22岁时她便在中国美术馆举办个展，成为新中国成立以来在此举办个展最年轻的女画家。同时，她的作品价格也一路飙升，其中《生命的曙光》曾拍出431万元的高价，也成为关注的焦点。面对作品在市场中的表现，陈亚莲说：“得到众多关注，只能说创作严肃艺术的人太少了。”
对话陈亚莲
记者：十年前，您的作品已经得到了多方认可，现在新的创作与之前相比变化在哪里？
陈亚莲：我之前的作品多为叙事性的，例如表现西藏当地居民的表情，刻画他们面部的沧桑感和眼神。现在的绘画可能更想强调生命的主题，与之前的创作形成对比关系，像老人拉着小孩的手等瞬间都是我想呈现出的，体现出一种生命的对比，我认为这样的题材更有意义。
记者：您之前的创作中也反映过老人，也可以称为一种生命主题的创作，现在创作的关注点似乎开始转变为关注更为普遍的对象。
陈亚莲：是的，我现在的创作想从西藏当地的文化和时间的变革方面入手。例如，我的作品中会出现满面沧桑的老人和手拿可口可乐的孩子，这种对比体现出随着时间的推移，西藏也在经历着和我们一样的变化，不再是我们固有思想中的西藏。同时，另外一种创作是在画面的背景上体现西藏传统的文化元素，让西藏传统文化能够得到传承。
记者：当时是怎样的想法让您开始关注西藏题材的创作？
陈亚莲：当时想创作一些民族风情的作品，而西藏的民族服装和当地人沧桑的面部特征，符合我想呈现的艺术效果，我想表现生命中原生态的部分。
记者：西藏让您感受最深的是什么？
陈亚莲：我认为是当地人面对大自然毫无保留的情绪，他们可以在草地上或骑马时充分表达自己的情绪。
记者：在画中，您刻画人物表情非常细致，而画面背景的刻画并不是很复杂。
陈亚莲：我希望通过人物面部的风霜感来体现特征，而且关注人物情绪细节的把控。我认为，目前很多艺术家都在创作民族题材作品，但这种创作不能停留在服装的表现上，这只是其中的一方面。另一方面是人的情感和表情是否也能够融入画中，表现人的情感是可以给观者带来强烈的心灵震撼和冲击的。
记者：在您的画中能够看到西方绘画的影子，对此您如何看待？
陈亚莲：我的绘画基本还是比较传统的中国绘画。西方绘画将背景画得很深，人物脸部的高光部分画得很厚，一边突出立体感。而中国画的画法完全相反，是在高光的地方留白，背景基本上都比较淡。
记者：您的创作材料里加入了丙烯，这种创作方法的初衷是什么？
陈亚莲：丙烯用在宣纸上的比较少，但是我的创作材料大部分是矿物颜料，但是矿物颜料干后会形成粉状，因此最后我会用水调上淡淡的丙烯，让画面更有光泽感。
记者：近年来，西藏题材的绘画作品也比较多，您如何看待这种题材作品的创作？
陈亚莲：我认为，艺术家应该多创作西藏题材作品，艺术家应该对民族传统文化进行记录和保留。
记者：您的作品价格近期飙升的很厉害，对此您如何看待？
陈亚莲：我最开始出售这些作品时的价格并没有这么贵，但是后来越来越贵，我认为画这种严肃艺术的人太少了。
【相关阅读】
【编辑：李洪雷】
