刘一原
中国画是一门古老的传统艺术，其教学一直是“师傅带徒弟”的方式，即使现在的学院教学模式，也依然是陈旧的、保守的，它已适应不了当今时代的发展。因此，中国画教学“与时俱进”显得尤为重要。教学改革涉及教学大纲的修订，涉及教师的教学观念、知识结构的更新，这需要一个探索、实践过程。笔者仅就教学中的一些问题,谈谈自己的基本观点。
一、对待专业的质疑
⒈ 现在, 越来越多的人对中国画没有好印象。那些充塞画廊、市场的商业性的国画,那些报刊上任意鼓吹的粗俗作品，都影响着中国画的声誉和形象，让人们以为中国画就是这般模样。中国画无高贵可言：人人都能画，个个是“大师”，张张都一样，任意涂抹，得来全不费工夫。难怪有学生说：“学国画，没意思。”也有的认为：“学国画挺赚钱。”面对这种现实，我常常犯愁：如何向学生解说？我想，中国画本来就是一门学问，教学的立足点应站在人类文化的层面上，站在学科研究的方位上，让学生了解中国画是世界艺术中的一部分，它有着深厚的历史渊源和独特完备的美学体系，任何其他艺术都代替不了它。教学生认识中国画在艺术史上的价值和地位，认识它的美学价值，并指出中国画现状中所存在的问题——这样，学生才会有一个全面、客观的认识，从而看清学习本专业的目的和意义。
⒉ 当代艺术已进入到“装置”、“行为”、“媒体”的表现层面上，而中国画却仍在纸上做个人文章，是否具有时代意义？在教学中遇上这个问题不容回避。我对这个问题是这样看的：其一，当代艺术以前卫的方式揭示社会问题及世界关注的问题具有新奇、强烈的效果，给人以震撼、以思考，这只是当今艺术表现中的一个方面。而作为最富有诗意、最含有灵性、最贴近人情味的中国画艺术却恰好弥补了当代人在困惑、焦虑、失落并日益异化的环境中所缺失的一种真诚与美好，是一种人文关怀，一种崇尚自然、净化心灵的艺术。当代人需要批判精神，需要宣泄，也需要爱抚与慰藉，需要多种艺术表现共存。其二，中国水墨画在美术领域中是大型画种，有深厚的根基与广泛的受众。它在世界艺术花园中不是小花，而是奇葩。在作东西文化艺术比较研究时，中国水墨画必然是重要的研究对象。何况中国画正在当代变革，在当代伸延，它的意义鲜明地体现在不同的方面。
⒊ 有的学生问：“在电脑万能的时代，国画会不会被淘汰？”我的回答是：不会，与心灵相连的绘画艺术都不会。事实上电脑代替不了人脑，电脑本是人脑设计出来的，即使电脑掌握了人的一切技艺，那么，人在绘画创作过程中与媒材的触摸感，线条、色彩的运作所产生的直接性、随机性、亲和感，以及作画行为的速度、节奏带来的愉快，都是电脑不能给予的。在高科技发达的西方，人们之所以仍要到音乐厅去欣赏音乐，是因为那里的感觉与数码视屏、数码音响的感觉不一样，那是身临其境的，原汁原味的。我深信，科技发展再快，“金色大厅”的音乐也不会衰败，除非人也变成了机器。
二、对待传统
只要我们走进博物馆或翻看历代绘画集，我们便立即沉醉于那些高妙绝伦、百读不厌的古代经典中，即使是艺术成就斐然的一代大家走在传统绘画的长廊中，也会由衷敬佩而自叹不如。的确，中国绘画的传统太博大、太精深，一辈子也学不完、爱不尽。然而，历史是不断向前伸延的，古代大师所创立的高峰不必去攀越，也不可能攀越，因为我们同他们不在同一时空中。但
我们要科学地、有机地运用他们的成果资源铺垫行程，走向我们的未来。
中国传统绘画技法和表现程式非常丰富，是我们今日艺术得以发展的根基。但我们必须加以归纳、加以整理，按现代人的思维和审美取向进行阐释、利用。例如：传统中的多种皴法、点法、描法均是古代画家创造出描绘物象的一种技法，如果从笔墨的角度上看，这些皴法、点法、描法都超越了物象本身而成为一种富有文化意蕴的符号、语言元素，成为一种不依赖于表现具体物象的独立的审美对象，让学生通过对这些元素的解读、分析，认识其形式特质和美学内涵，不拘泥于传统表现的种种定势，从而引发学生利用传统资源进行广泛、自由的再创造。一切技法程式都可以学习借鉴，而不能当做一套套的“手艺”，更不能变成驾轻就熟的作画的“套路”。
中国画素来重视传统，重视继承与创新的关系。但学习传统并不是停留在传统的表面形式上、式样上，而是从学习传统、消化传统转向演绎传统。对传统抱教条主义的态度往往导致教学缺乏活力、缺乏生气。总之，我赞同抓两头的说法，即一头抓基础(学院的优势就是系统学习，基础坚实)，如笔墨技巧、基本技法等，另一头抓新观念、新表现。两头一抓，事情就明确了，省去许多没意义的环节。
传统绘画是精致的、耐读的。在今天谈精致耐读，似乎奢侈，不合时宜。但经得起历史检验的艺术品都是精致耐读的。2002年底，我带研究生去上海博物馆看古代绘画，我问同学们观后有何感受，他们说：“古人作画真投入，而我们画的东西太粗糙、太肤浅、太做作了。”可见同学们不乏眼力。向传统学习不只是学技法，还应该学创作态度和严谨作风。要树立学生的精品意识，如果饮食上全都搞“快餐”，还称得上“饮食文化”吗？
三、对待当代艺术
在中国画的教学中，教师一方面教好本专业，另一方面也要鼓励学生了解当代艺术。当代青年关注当代社会所生发的当代艺术是十分有必要的。中国画专业有着相当的封闭性和排他性。其实我们这么大的一个民族、这么高深的一门艺术，其胸襟理应有更大的包容性。以中国画排斥西画，或以西画贬低中国画，都是偏激无知的。凡是对艺术真有感悟的人是不会带专业偏见的。我认识的几位艺术上颇有造诣的画家，他们搞“当代”、搞“前卫”，但他们对传统艺术、传统文化不仅有兴趣，而且很懂。人类的艺术都是相通的，艺术的多元只会让我们的世界变得绚丽多彩。
至于对当代艺术中那些不健康、反人性的东西当然要批驳，而那些富有智慧、富有哲思的作品却能启迪我们的思路，活跃我们的思维。特别是对现实社会的广泛关注以及表现事物的宽广度，对比我们数十年来题材上的单一、表现内容的贫乏，不得不引起专业上的反思。
四、对待学生
“因材施教”是艺术教育中不可忽视的法则，导师指导学生（特别是研究生）从根本意义上讲，是教学生打好基础，并帮助学生完成课题研究和创作，而不是培养某种流派的传人，更不是培养自己的“接班人”。艺术是门十分尊重个性与创造的学科，没有个性与创造便没有艺术。学生中不乏有天赋者，他们在学习过程中常冒出闪光的东西（有时连他们自己也没有察觉，没有认识），这时教师应充分地肯定，热情地鼓励，不能以权威居高临下，漠视一切。要帮他们发现自己，开发自身的潜能。教师只是在艺术思想、艺术品位上宏观把握。至于有的学生钟爱传统，有的学生追求现代，有的擅长写实，有的善于抽象，都可各尽其才，不能以一己之好代替学生的爱好。搞艺术可偏激，搞教学可不能偏激，偏激就限制了学生的多维发展。
学院教学与社会上办培训班应该有质的不同。学院教学生，不光是教技艺，更重要的是教艺术思想，而且有着系统的学习研究环境与条件。美术学院是大学，没有大学是不讲理论的，因此，理论是不可缺少的。只有重视理论，才谈得上研究。只有通过研究，创作才有目标，才有深度。现在学生多重技巧、轻理念，重形式、轻内涵，重模仿、轻探索。作为教师应站在理论的高度上，引导学生不断升华，不然，当学业结束时，学生会成为只懂得画几笔画的手艺人。
在今天的商品社会中，一些社会现象会搅乱学生的思想。一位研究生问我：“我越来越不知道该怎样画了。人们搞自己的艺术是一回事，赚钱是一回事，入选获奖又是一回事，我该怎么办？”我说：“你现在是学习阶段，应静下来按教学要求去做，做你所向往的事。我只能教你把艺术作品做好，至于名利，我教不了你，那是你自己的事。”这种功利思想很普遍，不能说不该有，现实中的人必须考虑现实中的问题，但在艺术教学中也充满实用主义思想，那么，堂堂美术学府的牌子究竟又有多大的含金量呢？
学院的画家是双重身份，既是教师，又是艺术家；既从事教学，又从事创作。所谓“为人师表”、“教学相长”并不是空话，好的教师会带来好的学风，以丰富的艺术实践经验和人生经验，给学生的艺术品性以好的影响。反过来，学生无条条框框，敢于提出问题甚至相反的问题，又促使老师思考，在教与学中展开对话与讨论。教学相长的互动性贯穿教学，教学才有活力，学生才不被笼罩在老师的影子中。教与学的空间充满着弹性，应做到弹性大一点，空间大一些。这个空间不是“池塘”，不是“自留地”，而是天空。
2003年2月 于湖北美术学院
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【编辑：李洪雷】
